http://www.fabiopenacalgaleria.com.br Arte contemporânea e exposições. http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=87 A partir do dia 6 de agosto o público americano vai poder conhecer o trabalho do brasileiro Fernando Chamarelli, em cartaz na Galeria Anno Domini, na Califórnia. A exposição Pangea  é a primeira individual de Chamarelli no país e fica em cartaz até o dia 18 de setembro.   O título da exposição faz referência à teoria da deriva continental, segundo  qual todos continentes já estiveram todos agrupados em tempos remotos. A idéia por trás do trabalho do artista é fazer uma espécie de "pangéia cultural", na qual se identificam, pelo menos,influências da cultura indígena e da cultura popular brasileiras, nesta obra que é resultado de uma bagagem cultural multifacetada, que pretende conectar os símbolos, a cultura e a religião das civilizações que se espalharam pela terra através do tempo.   É justamente esse espírito agregador que a galeria enfatiza no trabalho de Fernando Chamarelli.Eles procuram salientar o fato de que, hoje em dia, os limites geográficos estão cada vez mais sendo dissolvidos por fenômenos como os que são gerados pela internet, e que as filosofias, os folclores, símbolos e crenças não estão mais atados aos limites geográficos.  As obras do artista brasileiro são descritas como coloridas, exóticas e surrealistas e também associadas à arte pré-colombiana.   A formação em um país multicultural como o Brasil parece ter facilitado as conexões que o artista pretende estabelecer com sua obra, vista como um reflexo bastante positivo das transformações e das novas maneiras de olhar o passado uma época, trazidas pela nossa época. Pangea | Fernando Chamarelli Galeria Anno Domini, San Jose - Califórnia Visitação: de 6 de agosto a 18 de setembro Entrada Gratuita   Fonte: Revista Zupi Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=86 A PopArt marcou um período da produção de imagens em que a popularidade já vem embutida no nome, e quando se fala em arte pop poucos somes são mais difundidos que o do americano Keith Haring. Em agosto, o público brasileiro terá a oportunidade de se encontrar com mais de 90 trabalhos do artista na exposição Keith Haring – Selected Works, que fica  em cartaz em São Paulo até o dia 5 de setembro na Caixa Cultural. Ao todo, o público da exposição poderá ver 55 serigrafias, 9 gravuras, 29 litografias e 1 xilogravura - íten que, até hoje, nunca tinham sido expostos no país. Há ainda objetos pessoais como, como passaporte, pincéis, tênis do artista, além de skates desenvolvidos por Haring. Além da exposição, a vinda de Keith Haring – Selected Works  para o Brasil ainda prevê a exibição dos documentários “The Universe of Keith Haring” e “Drawing the line”. O público carioca também poderá ver a exposição, que ficará em cartaz na Caixa Cultural do Rio de Janeiro, a partir de  28 de setembro. Segundo a curadora Sharon Baratt, foram seleciondados trabalhos do artista que têm uma "estreita ligação com Brasil". Keith Haring - que  alguns anos antes de sua morte precoce, em 1990,  participou da Bienal de São Paulo - visitou o país em diversas ocasiões e tinha a Bahia como destinho preferido Keith Harinng | Selected Works Caixa Cultural, São Paulo - até 5 de setembro Visitação: de terça-feira a sábado, das 9h às 21h, domingo das 10h às 21 hs Entrada Gratuita Fontes: Revista Zupi, +SOMA, OiTudoemCima       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=85 Um dos mais representativos festivais de fotografia no Brasil, o A Gosto da Fotografia chega ao sexto ano com uma programação de exposições, palestras, filmes e oficinas nos principais museus e espaços culturais da capital baiana. Ao todo, serão abertas seis mostras com curadoria de Diógenes Moura, também curador de fotografia da Pinacoteca do Estado de São Paulo, parceira da Casa da Photografia no Festival.   Com cerca de 120 imagens, muitas delas inéditas, a mostra Thomaz Farkas – O Tempo Dissolvido apresenta uma leitura na obra de um dos pioneiros da fotografia moderna no Brasil, com registros das últimas seis décadas. A montagem de Thomaz Farkas (Hungria,1924),tem abertura no dia 02 de agosto (segunda), às 19h, no Museu de Arte Moderna da Bahia, e traz também uma série colorida produzida em Salvador, nos anos de 1970, no Mercado Modelo, Av. Sete de Setembro e no bairro de Alagados, com apoio do MAM-BA e do Instituto Moreira Salles, que preserva a obra do fotógrafo.    Outro destaque do A Gosto em 2010 é a mostra O Caleidoscópio e a Câmera, de Boris Kossoy (São Paulo, 1941), um dos maiores pesquisadores sobre fotografia no Brasil (ele é o autor do autor do Dicionário Histórico-Fotográfico Brasileiro) e precursor do realismo fantástico no país. A abertura desta mostra acontece no dia 30 de julho (sexta), às 19 horas, no Museu de Arte da Bahia (MAB). A exposição apresenta cerca de 140 imagens, coloridas e em preto e branco, que contemplam desde o seu primeiro registro feito na Avenida São João, em São Paulo, em 1955, até a série de inéditos produzidos nas últimas duas décadas, período em que o artista se recolheu.    Na Galeria Solar do Ferrão, o gaúcho Ricardo Teles apresenta a exposição O Lado de Lá, com uma série de 35 fotografias. Juntas, elas formam um documentário sobre a vida cotidiana e suas relações com a arte e religiosidade em Angola, Benin e Congo. A abertura acontece no dia 03 (terça), às 19h.   Alma Secreta é o nome da exposição da paulista Ana Lúcia Mariz, que tem abertura no dia 04 (quarta), às 19h, no Museu da Misericórdia. Composta por cerca de 30 imagens, todas em preto e branco, feitas a partir da técnica light painting, a mostra apresenta um mundo imaginário extraído de sonhos e da realidade cotidiana da artista.  Completa a programação a série Sem Ponto Final, com sete retratos do artista baiano Mario Cravo Neto (Salvador, 1947-2009) feitos pela fotógrafa Sabrina Pestana (São Paulo, 1984), dois meses antes da morte do fotógrafo ocorrida em agosto de 2009. A homenagem do A Gosto a Cravo Neto é também inaugurada no Museu da Misericórdia, no dia 04, quarta-feira, às 19h, e fica em cartaz até 03/10.      A Gosto da Fotografia - até 03/10 No Museu de Arte Moderna da Bahia, Galeria Solar Ferrão, Museu da Casa da Misericórdia da Bahia, Oi Kabum! Salvador e Casa-Museu Solar de Santo Antônio.           Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=84 A exposição que inaugura o novo espaço Santander Cultural-Recife (antigo Instituto Cultural Banco Real) apresenta obras de artistas espanhóis e brasileiros em torno da figura do navegador Vicente Pinzon, considerado por muitos o “descobridor esquecido”. Entre os artistas que participam da mostra, estão os pernambucanos Eudes Mota, representado em Salvador pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte, e Marcelo Silveira, que possui obras no acervo da galeria. Novos Mundos Novos será aberta ao público no dia 03 de agosto.   Eudes Mota participa da exposição com uma pintura a óleo entitulada Fases da Lua. A obra traz uma imagem que dialoga com a cartografia, numa referência direta à importância do céu e do seu astro maior na orientação dos navegantes. Já Marcelo Silveira faz uma associação mais livre com a homenagem da mostra, já que, para ele, o convite da curadoria para os artistas se deu também pela importância do seu trabalho dentro do cenário contemporâneo das artes visuais. Desta forma, Marcelo concebeu dentro do cofre do espaço Santander uma instalação elaborada a partir do pó que ficou como resíduo, após ter lixado as paredes do espaço, entitulada exatamente Pó.  A curadoria de Novos Mundos Novos é do crítico de arte paulista Gilberto Habib Oliveira, que reuniu 41 obras de um total de 17 artistas. Além de Eudes e Marcelo, também fazem parte da exposição Francisco Brennand, Gilvan Samico, João Câmara e Paulo Meira. As mostras de artes visuais ocupam as galerias térrea, superior e Marcantonio Vilaça do Santander Cultural – Recife.   Sobre Pinzón Existem estudos que compravam que, há exatos 510 anos, o navegador espanhol Vicente Yañez Pinzón teria desembarcado no comandando da caravela Niña em um local que a moderna cartografia indica como sendo a Ponta do Mucuripe, a cerca de 10 km do centro de Fortaleza. Antes, portanto, da chegada do português Pedro Álvares Cabral, em 22 de abril de 1500, no Sul da Bahia. Além deste feito, Vicente Pinzón também integrou no comando da mesma nau a primeira Armada de Cristóvão Colombo, participando desta forma também da descoberta da América do Norte, em 1492.      Novos Mundos Novos Santander Cultural – Recife Av. Rio Branco, 23,  bairro do Recife, Recife/ PE - Tel. 81-3224-1110 Visitação: de terça a quinta, das 14h ás 20h e de sexta a domingo, das 14h às 22h. Entrada gratuita.      Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=83 Está em cartaz no Museus de Arte Comtemporânea da cidade de San Diego, na Califórnia, a expoisção “Viva La Revolución: A Dialogue With The Urban Landscape". A iniciativa do museu, que vê na vida nas cidades uma das principais fontes de inspiração na cultura contemporânea, reúne mais de vinte artistas vindos de dez países diferentes, dentre eles o Brasil. Os brasieliros incluídos na mostra são Gustavo e Otavio Pandolfo ( Os Gêmeos), e Stephan Doitschinoff (mais conhecido com Calma). Os curadores Pedro Alonzo e Lucía Sanromán reuniram artistas de Portugal, Suécia, Inglaterra, Itália, México e França a nomes consagrados como Shepard Farey e Bansky. Um dos objetivos da mostra é discutir a forma como a arte urbana se apropria dos códigos e ícones do dia-dia nas cidades, usando elementos que compõem a paisagem urbana para fazer a tal “revolução” que eles afirmam estar acontecendo. Na exposição o visitante pode encontrar esculturas, pinturas, murais, desenhos e instalações que não se limitam a ocupar o espaço das galerias e podem ser encontradas principalmente no lugar onde esses artistas surgiram e desenvolveram seu estilo: a cidade. Viva La Revolución: A Dialogue With The Urban Landscape Museu de Arte comtemporânea de San Diego Visitação: até 2 de janeiro de 2011; quinta a terça, das 11 às 17h, e, na terceira quinta-feira do mês, das 11h às 19h (fechado às quartas-feiras) Entrada Gratuita Fonte: UOL Imagem: blog d\\\\\\\'Os Gêmeos Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=82  O recém-inaugurado Pavilhão das Culturas Brasileiras do Parque do Ibirapuera recebe em São Paulo, até o dia 12 de Setembro, a exposição Transfer.  Segundo o organizador da mostra, Lucas Ribeiro "Pexão", um dos principais objetivos é "ampliar a percepção sobre o que é a arte urbana". A iniciativa conta com nomes consagrados - e que hoje passaram a ser representados por galerias - como Os Gêmeos, Titi Freak e Speto. É na seção  "Autoindicados" que ficam os nomes mais inseridos no mercado de arte e que participam de bienais mundo afora: Alex Hornest, Flip, Vitché e João Lelo fazem parte deste grupo. Há ainda "Intervencionistas", dedicada a registros das intervenções feitas na cidade pelos artistas, além de "Beautiful Losers" que traz parte da mostra itinerante que tem o mesmo nome e a tarefa de representar a produção americana. Já "Mauditos" se dedica a apresentar a produção dos pioneiros da arte urbana no Brasil, que começa nos anos 80, quando ela se espalha por diversas metrópoles espalhadas pelo mundo. Em 2008, a cidade de Porto Alegre recebeu uma edição menor da mostra que agora apresenta mais de 500 obras de cerca de 150 artistas. Dessa vez o público será apresentado aos diversos elementos que fazem parte do universo da arte urbana: pintura, desenho, arquitetura, fotografia, música, vídeo, registros das intervenções e também skate.  No calendário da exposição ainda estão previstos workshops e exibições de documentários sobre a cultura urbana. Todas informações pode ser encontradas no site da Transfer Transfer | arte urbana & contemporânea Pavilhão das Culturas Brasileiras, Parque Ibirapuera - até 12 de setembro Visitação: de terça-feira a domingo, das 9h às 18h, com entrada até as 17h Entrada gratuita Fontes: Folha de São Paulo, UOL, Revista Zupi   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=81  A tela "Roma Moderna - Campo Vaccino" alcançou o valor mais alto já pago por um quadro de William Turner. A obra; que foi adquirida em 1878 por uma família britânica e que, desde então, nunca trocou de donos; passa a fazer parte do  acervo do J. Paul Getty Museum. Os 44,9 milhões de dólares pagos à Sotheby\\\\\\\'s superam em muito o antigo recorde de 35,9 milhões que pertencia à Christie\\\'s, por ocasião da venda da obra "Giudecca, La Donna della Salute e San Giorgio", em 2006. Em entrevista ao jornal New York Times, o curador de pintura do museu Getty, Scott J. Schaefer, não duvida que tenham feito um bom investimento: "Esse quadro supera o próprio Turner, é seu melhor trabalho, um Turner em sua melhor forma". Alguns trabalhos do paisagista inglês - considerado por muitos como um dos precursores do impressionismo - sofreram com a má conservação. E enquanto, em 2006, a obra Glaucus and Scylla teve ser devolvida pelo Kimbell Art Museum à família que o possuía por motivos políticos; o destinho de "Roma Moderna" é o contrário. A obra deixa os seus primeiros donos, que a mantiveram em ótimo estado de conservação (um dos motivos para o quadro alcançar tão alto valor), e passa agora a pertencer ao Getty Museum, que fica na Califórnia. Fontes: Folha de São Paulo, New York Times Foto: Efe Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=79 Até o dia 15 de agosto, Gaio Matos apresenta sua primeira mostra individual no Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM-BA), “Sobre a Praça e Seus Múltiplos”. A exposição traz à tona uma reflexão que permeia toda a produção do artista: a relação entre a arquitetura, os espaços urbanos e o homem neste contexto, desta vez, abordada através de duas videoinstalações e uma série de fotografias.    Ao entrar na Capela do MAM, o público se depara com a videoinstalação Campo Grade. Nela, Gaio traz uma reprodução do gradil de Carybé, que cerca a Praça Dois de Julho (no Campo Grande). Por trás das grades, o vídeo exibe imagens da praça real, convidando a uma nova forma de olhar este ambiente. Na videoinstalação Camarote, montada de uma forma pouco usual, no chão da Capela, o artista convida o público a observar imagens do carnaval a partir do ponto de vista “privilegiado” de quem participa dos festejos dentro de um espaço privado, reforçando ainda mais a relação tensa entre estes diferentes “lugares” da festa. No terceiro trabalho, a série Caixas, Gaio apresenta uma série de 20 fotografias coloridas, realizadas em viagens à Europa, nas quais registrou quiosques semelhantes às ‘banquinhas’ de jornal e frutas do Brasil.    Gaio Matos, que recentemente teve obras adquiridas pela Fabio Pena Cal Galeria, vem se tornando um dos mais reconhecidos artistas baianos da nova geração. Ele tem participado de importantes mostras nacionais e internacionais, a exemplo da III Bienal do Mercosul (2004). Em 2008, realizou residências artísticas em Bombaim (Índia), decorrente da premiação no XIV Salão do MAM-BA, e em Paris, proporcionada pela Fundação Sacatar. Este ano, participa de outra residência promovida pela Sacatar, desta vez, na Coréia. Também é um dos 20 baianos selecionados para a II Trienal de Luanda, integrando o projeto Primeira Ponte_SP, em São Paulo.    Sobre a Praça e Seus Múltiplos | Gaio Matos Museu de Arte Moderna da Bahia – até 15 de agosto Capela do MAM, na Av. Contorno, Solar do Unhão, Tel: (71) 3117-6139 Visitação: terça a domingo, das 13 às 19 horas, sábados, das 13h às 21h.    Entrada gratuita       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=78 Mesmo após 48 anos da morte do homem, o gênio de Cândido Portinari continua vivo entre nós. Enquanto no Rio Grande do Sul o MARGS expõe cerca de 50 trabalhos do artista paulista, nesta semana, em Pernambuco,  o quadro Enterro (um óleo sobre madeira de 23 cm x 33 cm, avaliado em R$ 1,2 milhão) foi roubado do Museu de Arte Contemporânea, trazendo mais uma vez o nome de Portinari para o noticiário. A exposição Portinari na Coleção Castro Maya pode ser vistas até o dia 29 de agosto.   O artista, que nasceu na cidade de Brodowski, no interior de São Paulo, e teve uma infância humilde, conquistou mais tarde reconhecimento internacional com obras como o painel Guerra e Paz, encomendado para figurar na sede da ONU, pelo qual recebeu o Prêmio Guggenheim de pintura.   No Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Portinari ganha uma exposição pautada pela sua amizade com o mecenas Raymundo Ottoni de Castro Maya - empresário que dá nome à instituição que possui uma das maiores coleções do trabalho do artista. Na expoisção, obras como O Sapateiro de Brodwski e sua série de estudos sobre o D. Quixote de Cervantes - que raramente deixam as intalações dos Museus Castro Maya - se encontram com parte do acervo do museus gaúcho, como O menino do papagaio (um óleo dobre tela de 1954).   Enquanto isso, o Museu de Arte Contemporânea de Pernambuco aguarda a resolução do caso do roubo da obra Enterro, que fazia parte da exposição do seu acervo permanente.   Portinari na Coleção Castro Maya | Candido Portinari Museu de Arte do Rio Grande do Sul - até  29 de agosto Visitação: de terça a quinta, das 10 às 19hs Entrada gratuita   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=77  A cidade do compositor de Imagine abriga até o fim do mês um outro apelo à Paz. São mais de 150 trabalhos de Pablo Picasso que mostram a faceta política da obra deste que é tido como um dos grandes gênios do século XX. Os trabalhos, apresentados juntos para o público na exposição "Picasso: Paz e Liberdade", ficam em cartaz na galeria Tate de Liverpool - a cidade do Beatle John Lennon - até o dia 30 de agosto.   Muito conhecido por seu ego e pelo "temperamento artístico", o pintor espanhol viu seu engajamento político ser ofuscado pelo mito que criado em torno do seu personagem. A exposição pretende se aprofundar um pouco mais na idéia do pacifista que associamos ao autor de "Guernica", numa tentativa que a galeria considera pioneira  e que tenta "refletir um Picasso novo para um novo tempo". O tema político nem sempre aparece de modo tão explícito na obra do artista que se comoveu com dramas como a guerra civil espanhola e com as primeiras fotografias tiradas dos campos de concentração. Sua vida que percorre um século tão importante quanto conturbado, o que o permitiu ser contemporâneo de questões como o conflito entre ocidente e oriente médio, a guerra fria e a crise dos mísseis de cuba (episódio que quase desencadeou a terceira guerra mundial) e deixar sua obra permeável a todas elas.   O Pablo Picasso libertário e pacifista está traduzido em quadros, esculturas, desenhos e gravuras que vieram de grandes museus e coleções internacionais; além de fotografias, filmes, cartazes e documentos. A exposição é uma oportunidade de despertar para a sensibilidade e o desejo do homem que eternizou a pomba branca como símbolo da paz (ela foi usada no  primeiro Congresso Internacional pela  Paz, em Paris, no ano de 1949), através desta visita que a Tate faz ao mito. A exposição que ocupa nove salas do prédio localizado na cidade dos Beatles pode ser vista até o dia 30 de agosto, e a entrada custa 10 libras.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=76 Imitação da Água, título da exposição individual da artista Sandra Cinto, no Instituto Tomie Ohtake, foi tomado emprestado da obra do poeta João Cabral de Melo. Através do trabalho exposto em três diferentes salas do instituto, a artista representa a grandiosidade da natureza, propondo uma travessia pelo seu mar autoral.  Quando recobre toda a parede de uma sala redonda com a sua interpretação de ondulações na superfície de um mar revolto, Sandra Cinto diz pretender inspirar no espectador o sentimento do náufrago. E é este mesmo náufrago que é conduzido pelo mar de referências apresentadas pela artista. Elas são literárias, como os barcos de papel feitos a partir do que poderiam ser páginas em branco, nas quais uma mesa parece afundar; ou os livros que ancoram o ponto de onde se pode observar um mar mais brando, ao final da jornada pela exposição. Há ainda o surpreendente fato de o oceano desenhado exuberantemente por sobre as paredes ter sido feito a caneta.  Além das referências à leitura e à escrita, é impossível não lembrar do emblemático quadro “A Balsa do Medusa”, do pintor francês Théodore Gericáult. Ele  retrata as vítimas do naufrágio da fragata Medusa, em 1816, viajando da frança para o Senegal, e é uma obra pela qual Sandra nutre um grande interesse e que, ultimamente, tem repercutido em sua obra. O curador da exposição, Crivelli Visconti, compara a artista com o pintor alemão Caspar David Friedrich, quando diz que seria leviano reduzir a importância do trabalho apenas à impressionante beleza das formas e à representação da natureza. Para eles, ambos os artistas têm o poder de usar a imensidão da paisagem para nos fazer redimensionar o Humano. A exposição fica aberta até o dia 1º de agosto.   Imitação da água | Sandra Cinto Instituto Tomie Ohtake - até 01 de agosto (Av. Faria Lima, 201, Pinheiros, São Paulo-SP - Tel: 11 2245 1900 Visitação: de terça a domingo, das 11 às 20 horas.  Entrada gratuita www.institutotomieohtake.org.br/ Fontes: Instituto Tomie Ohtake, Folha de São Paulo, TV Cultura     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=75 Nem só do que é legítimo vive a arte. O conceito de autoria e o lugar do autor vêm sendo discutidos - pelo menos - desde Marcel Duchamp, através de trabalhos como a sua "Roda de Bicicleta".  E quem diria que a mesma Arte que na grécia antiga cuidava de imitar  a realidade para encontrar a verdadeira beleza seria depois obrigada a conviver com imitações de si mesma? É justamente sobre questões de autoria que trata a exposição "Close examination: fakes, mistakes and discoveries" (Exame de Perto: farsas, erros e descobertas), em cartaz até o dia 12 de setembro na National Gallery, em Londres. A exposição traz ao público 40 pinturas que, diferentemente do resto do prestigiado acervo de mais de 2.300 obras pertencentes à galeria, não passam de falsificações. A iniciativa corajosa, de expor as “falsificações”, vem ajudar a contar a história de alguns dos enganos cometidos no processo de aquisição das obras; alguns deles, nem sempre infelizes, afinal, não é só de maus negócios que esta história é feita. Também foram descobertas no acervo obras originais de Rafael e Botticelli que tinham sido adquiridas como cópias. E é para Botticelli a quem se dedica uma sala inteira dos seis espaços que formam o conjunto da exposição. As outras cinco são separadas por categorias: “Segredos e Enigmas”, “Ilusão e Fraude”, “Erros”, “Transformações e Modificações” e  “Redenção e Recuperação”.   Apesar de desmistificar certas obras ao expor suas falsificações e de tirar delas parte de seu encanto original, a mostra  vem também ressaltar a importância e a competência do setor de pesquisa científica da National Gallery (um dos mais avançados do mundo, segundo eles mesmos). Empregando técnicas como o raio-x, infravermelho, espectometria de massa e microscopia eletrônica, eles ajudam a determinar a legitimidade das obras do vastíssimo acervo da galeria, do qual hoje  fazem parte nomes como Leonardo da Vinci, Rembrandt, Botticelli, Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Vermeer, Turner, Renoir, Monet, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Gauguin, Degas, Manet e Picasso. Contemplando a opinião de quem não se anima em pagar para ver as tais "falsificações", a entrada para a exposição na National Gallery é gratuita. Close Examination: Fakes, Mistakes and Discoveries National Gallery (Londres) - até 12 de setembro (Vincent House, 30 Orange Street, London - Tel: 020 7747 2870) www.nationalgallery.co.uk Fontes: Agência Reuters, G1, O Globo, ionline, Jornal de Angola, The guardian Foto: Ben Stansall/AFP   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=74 Ligia Aguiar Arte 4.0 expõe os 40 anos de trajetória da artista visual baiana, a partir do dia 08 de julho, no Centro Cultural Correios Salvador. A exposição apresenta cerca de 150 obras, entre desenhos, pinturas, fotografias, vídeointalações, painéis, objetos e até um programa de computador, que comprovam a faceta multimídia da artista baiana. A mostra fica em cartaz até o dia 18 de agosto e tem curadoria da crítica de arte Matilde Matos. Ligia Aguiar Arte 4.0 faz uma síntese da carreira da artista e, ao mesmo tempo, demonstra um novo momento de sua produção, expondo suas paisagens geométricas elaboradas em técnica mista, a maioria em preto e branco, feitas em nanquim. Além disso, o público vai poder conferir também dois vídeos, “Re-produzidas”, que trata da solidão feminina e acaba de ser selecionado para a X Bienal do Recôncavo, e “Água”, de caráter ambientalista, vencedor do prêmio de Melhor Filme Experimental no Festival de Cinema e Vídeo de Muriaé, Minas Gerais (2007). Estas duas obras estão expostas junto com seu primeiro trabalho em bico de pena, de 1976, e as “gordinhas” elaboradas na década de 80. Além de artista plástica, Ligia Aguiar também trabalhou com design gráfico, cenografia e figurinos. Atualmente, é comentarista de artes visuais no programa "Multicultura", da Rádio Educadora da Bahia, e articulista do site jornalístico "Bahia Já". Lígia Aguiar 4.0 Centro Cultural Correios – até 18 de agosto (Praça Anchieta, nº 20, Pelourinho, Salvador. Tel: (71) 3321-6665) Visitação: de segunda a sexta, das 10h às 18h, sábados, das 8h às 12h Entrada franca Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=73 O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro apresenta a partir do dia 01 de julho uma bem humorada coletiva de pintores brasileiros contemporâneos. “Se a pintura morreu o MAM-RJ é um céu!” reúne obras de Daniel Senise, Luiz Zerbini, Adriana Varejão, Jarbas Lopes, Vania Mignone, Eduardo Berliner e Gustavo Speridião, apresentam novos caminhos da pintura contempoânea, cada um, a partir de seu ponto de vista, particular. Com curadoria de Luiz Camillo Osorio, a exposição fica em cartaz até o dia 15 de agosto, freunindo artistas que estão em momentos distintos de sua trajetória, mas todos têm em comum uma relação vital com a pintura, que cada vez mais é reinventada, e valorizada, pela produção atual.  A mostra pretende refletir as muitas possibilidades e surpresas proporcionadas pelo trabalho destes artistas, pondo em foco os vários caminhos da pintura contemporânea, com ênfase nos desdobramentos da figuração depois de incorporada a abstração no imaginário pictórico. Paralelamente, o MAM monta à exposição de Cristina Canale, uma das pintoras mais destacadas da geração 80, criando uma conversa entre ela e esse sete artistas. Se a pintura morreu o MAM é um céu! Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – até 15 de agosto de 2010. Av. Infante Dom Henrique 85, Parque do Flamengo. Tel: (21) 2240 4944 Visitaçao: ter - sex 12h - 18h sab - dom e feriados 12h - 19h Entrada: R$8,00 - Estudantes maiores de 12 anos R$4,00 - Maiores de 60 anos R$4,00. Entreda gratuita: Amigos do MAM crianças até 12 anos Domingos ingresso família (para até 5 pessoas): R$8,00   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=72 Pela primeira vez, o público baiano vai poder conhecer de perto as criações e experimentos de Waltercio Caldas - os objetos-esculturas que o alçaram à condição de um dos mais reconhecidos e respeitados artistas contemporâneos do país. Paisagens, Etc está em cartaz no Palacete das Artes Rodin Bahia até o dia 15 de agosto, apresentando um panorama de sua trajetória artística, com obras realizadas desde a década de 70 até quatro peças inéditas, elaboradas especialmente para esta exposição, inclusive uma homenagem ao escultor francês, “Rodin sem bronze”. Waltercio Caldas é essencialmente um escultor contemporâneo. Ele pesquisa e explora com poesia a tridimensionalidade, a relação entre os objetos, a arquitetura e os espaços. Além disso, Waltercio é um artista extremamente importante, com obras nas principais coleções e mostras nas melhores galerias e museus do mundo. Com esta exposição, temos a possibilidade de apresentar um artista que é uma referência na arte contemporânea brasileira, proporcionando ao público a oportunidade de conhecer sua obra. Em Paisagens, Etc, será apresentada uma seleção de obras feita pelo próprio Waltercio Caldas, que teve como ponto de partida o impacto da visita do artista à Sala de Arte Contemporânea do Palacete das Artes. Na mostra, Waltercio estabelece uma relação entre seus trabalhos, normalmente de grande porte, e a arquitetura da Sala. Ao todo, serão apresentadas nove obras, sendo quatro inéditas, incluindo uma homenagem ao escultor francês, em Rodin Sem Bronze, que surgiu a partir de uma conjectura, uma hipótese do artista: “O que seria de Rodin sem o mármore, sem o bronze? Qual seria o cerne da obra de Rodin sem estes materiais?”. Estão em exposição “Estudos sobre a vontade”, 1975; “Sem Sono”, 1977; “Ferro pintado”, 1978; “Simples Simples”, 2004; “Superfície Internacional”, 2008; “Filme rápido”, 2010; “Rodin sem bronze”, 2010; “Simbiótico”, 2010; “Topográficos”, 2010. Waltercio é o segundo artista a participar do Programa Quarta Dimensão, da Diretoria de Museus do Instituto do Patrimônio Artístico e Cultural da Bahia, que reúne nomes já consagrados no circuito internacional das artes visuais, todos tendo a tridimensionalidade como característica comum. O Programa busca provocar a relação entre o trabalho destes artistas contemporâneos e as obras de Auguste Rodin, mestre da escultura moderna, expostas no Casarão do Palacete. Antes de Waltercio, as obras do baiano Mario Cravo Neto foram as primeiras a serem expostas. Tunga e José Resende são os próximos a participar do Quarta Dimensão.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=71 Philip Mould, um dos mais importantes marchands internacionais, responsável por descobertas de obras de arte autênticas e também de muitas fraudes, acaba de lançar pela editora Viking o livro “The Art Detective: Fakes, Frauds, and Finds and the Search for Lost Treasures”  (O Detetive da Arte - Falsificações, fraudes, achados e a busca por tesouros perdidos). Na publicação, ele aborda como a internet e a tecnologia vêm mudando o comércio de obras de arte no mundo, assim como a forma de avaliação de sua autenticidade. Na publicação, Philip Mould conta que, no início da sua carreira profissional como marchand, há 22 anos, o trabalho de compra e venda de obras de arte de alto nível era limitado a um grupo restrito de historiadores experientes, que vasculhavam o mundo em busca de obras-primas. Nesta época, ele e sua equipe conseguiam examinar de 15 a 20 obras por dia. Hoje, na era da internet e da alta tecnologia, eles podem avaliar o valor de 50 a cem obras, diariamente. "Há mais possibilidades, mais descobertas", disse ele. "Mas também há mais concorrência. Existe uma nova geração que curte a adrenalina e compra indiscriminadamente", afirma. Para ele, com o advento das novas tecnologias, o conhecimento se tornou mais democratizado e o mundo antes fechado da negociação e restauração de obras de arte passa a se tornar mais acessível. Além de tratar das mudanças no mercado das artes, Mould, que é especialista em retratos britânicos, fala também no seu livro, que tem como subtítulo "Falsificações, fraudes, achados e a busca por tesouros perdidos", do trabalho de localização, restauro e autenticação de obras. Uma de suas melhores histórias é a descoberta de um autorretrato de Rembrandt, que foi originalmente atribuído a um seguidor do pintor e, por isso, avaliado como valendo entre US$ 2.000 e US$ 4.000 dólares. Mais tarde, quando a tela foi autenticada como autorretrato perdido, foi vendida por US$ 5,2 milhões em um leilão. Hoje, é estimada em US$ 40 milhões. Mould é também apresentador do programa de TV "Antiques Roadshow", em que especialistas avaliam o valor de antiguidades compradas na Grã-Bretanha. O programa já foi reproduzido em vários países, incluindo Estados Unidos, Canadá, Austrália e Alemanha. Fontes: Folha de São Paulo e Reuters   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=70 A Fabio Pena Cal Galeria adquiriu um novo conjunto de obras do artista baiano Gaio Matos, que transita entre a pintura e a fotografia. São telas e grandes painéis produzidos recentemente, todos em 2010, que atestam o talento e a qualidade do trabalho de Gaio. Ancorado numa pesquisa consistente, num estilo bem definido e sempre em constante produção, o artista já tem seu trabalho reconhecido. Muito em breve, ele estará montando sua primeira exposição individual no Museu de Arte Moderna da Bahia, participa da mostra coletiva Primeira Ponte (que abre dia 02 de julho, na SOSO+, em São Paulo) e é um dos 20 baianos integrantes do grupo convidado para participar da II Trienal de Luanda. O interesse e curiosidade pelos espaços, pelas plantas arquitetônicas que hoje marcam o seu trabalho, surgiram ainda na infância, quando procurava em anúncios, jornais e revistas as plantas baixas dos apartamentos à venda, depois recortava e colecionava aqueles territórios gráficos. “Sentia-me atraído pelo desenho. Inquietava-me especialmente com a malha labiríntica que se formava com as portas e paredes, a partir do projeto arquitetônico, e me perdia inventando moradores e situações diversas pelos cômodos”, afirma. Anos depois, Gaio chegou a cursar engenharia civil, onde aprofundou seu contato com espacialidade, mas foi ao abandonar esta profissão e se dedicar às artes que a relação de Gaio com a planta arquitetônica voltou a ter, como quando criança, um olhar mais lúdico e humanizado. “Comecei a entender o espaço como um campo aberto de experiências sociais múltiplas, ocupado pela instabilidade de acontecimentos e ações temporárias e imprevisíveis em oposição à segurança e estabilidade do espaço do construído. Assim ,tomei consciência das diferenças entre o espaço estriado e construído e o espaço liso e aberto das ruas.” Gaio expôs suas obras em mostras individuais na Fundação Joaquim Nabuco, Recife, 2006; no Centro Cultural São Paulo, 2007; no Palácio Capanema, RJ, Rio de Janeiro, 2008; na galeria Gesto Coperative Art Space, Porto, Portugal, 2007, entre outros. 2005. Entre as coletivas, destacam-se a III Bienal do Mercosul, Porto Alegre, 2006; Centro Cultural Dragão do Mar, Fortaleza, 2006; Museu Amadeu de Souza Cardoso, Portugal, 2006; Instituto Itaú Cultural, São Paulo, 2006: Nehru Art Center, Mumbai Índia, 2008. O artista venceu também diversos prêmios, entre os quais: Premio Aquisição Residência no Exterior, 14º Salão do Mam, Salvador BA, 2007. Prêmio Aquisição Temporada de Projetos, Centro Cultural São Paulo, SP, 2008. Prêmio Projéteis de Artes Visuais, Funarte, Rio de Janeiro, RJ, 2006.  Prêmio Manuel Quirino,Salvador, BA. Prêmio Braskem de Cultura e Arte, Salvador, BA, 2004  . Possui obras nos acervos da Pinacoteca Municipal de São Paulo, SP; Banco do Nordeste S/A, João Pessoa, PR; Museu de Arte Moderna da Bahia, Salvador, BA; Centro Cultural Dragão do Mar, Fortaleza ,CE; Harmony Art Foundation, Mombay, Índia; Gesto Coperativa de Arte, Porto, Portugal; Phillips do Brasil S/A, Brasil, São Paulo, SP; Universidade das Artes, Caxias do Sul, RS, Brasil; Fundação Joaquim Nabuco, Recife, PE; Fundação Cultural do Estado da Bahia, Salvador, BA. Fez residência artística no Harmony Art Foundation, em Mumbay, Índia; na Cité des Arts, Paris, França; em Maeseille, na França.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=69 O artista mineiro Marcos Paulo Rolla provoca o público a refletir sobre o amor, o desejo, o corpo e a relação entre o masculino e o feminino, o sagrado e o profano, de forma contundente e poética na exposição Êxtase, em cartaz na Capela do Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM), em Salvador. Interferências com desenhos sobre lembranças de casamento, esculturas, instalação, um vídeo e uma performance (que vai acontecer no encerramento da mostra, no dia 04 de julho), apresentam o olhar provocador do artista sobre as relações humanas. Desde 1986, Marco Paulo Rolla atua como artista multimídia, tendo estudado música, dança, teatro e artes visuais. Realizou residência na Rijksakademie Van Beeldende Kunsten, em Amsterdã, e já levou suas obras a cidades como Berlim, Nova Délhi, Buenos Aires e Durban, entre outras localidades do Brasil. A projeção internacional do artista e sua atuação destacada na área de performance fazem do artista um dos performers mais ativos do país. Depois de expor em sua cidade, Belo Horizonte, e em São Paulo e no Rio, o trabalho de Marcos Paulo chega a Salvador. Êxtase – Marcos Paulo Rolla Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM) – até 04 de julho Solar do Unhão, Av. Contorno, s/n, Salvador - Bahia Visitação: de terça a domingo, das 13h às 19h, e aos sábados, das 13h às 21h. Gratuito  Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=68 A arte contemporânea internacional ganha um novo templo. Em Roma, Itália, onde o moderno convive com o antigo e o urbano se mistura às ruínas, monumentos e obras de artes seculares, surgem o MAXXI - Museu Nacional da Arte do Século XXI. Estruturado a partir de dois eixos, MAXXI Arte e MAXXI Arquitetura, o Museu está instalado um prédio que é por si só uma obra de arte. O projeto foi selecionado em um concurso internacional, lançado em 2008, para o qual foram inscritos 273 candidatos de todo o mundo. A vencedora, a arquiteta anglo-iraquiana Zaha Hadid, criou um edifício inovador, com amplos espaços abertos e um design que cria uma relação entre volume e curvas, com galerias onde ficam o acervo e as salas de mostras temporárias, iluminadas por luz natural, que é filtrada por um particular sistema de cobertura. O acervo de arte do museu é atualmente composto por 300 obras, com destaque para peças de artistas italianos e estrangeiros ligados ao contexto do país. São pinturas, instalações, videoarte, esculturas, fotografias e net-art, que formam um conjunto no qual artistas emergentes dialogam com produções que vão dos anos 60 ao ano 2000, de nomes como Alighiero Boetti, Francesco Clemente, William Kentridge, Mario Merz, Gerhard Richter. No acervo de Arquitetura, o MAXXI possui arquivos pessoais de arquitetos e engenheiros de reconhecimento internacional, como Carlo Scarpa, Aldo Rossi, Enrico Del Debbio, Sergio Musmeci e Zenaide Zanini, Vittorio De Feo e Pier Luigi Nervi. Em sua abertura oficial, no dia 30 de maio, o MAXXI inaugurou nove diferentes mostras: Spazio, com a coleção de arte e arquitetura do próprio museu (até 23 de janeiro de 2011); Gino de Dominics – O Imortal (até 07 de novembro); Luigi Moretti - Arquiteto (até 28 de novembro); Kuntlug Ataman – Dramaturgia Mesopotâmica (até 21 de setembro); e até 23 de janeiro de 2011 as mostras MAXXI_Hadid – O projeto do MAXXI; Spazio - Net in Space; Spazio - Concurso MAXXI; Spazio - Homenagem a Fabio Mauri;  Spazio - Geografia Italiana. O Museu também possui um Departamento Educativo e realiza cursos, concursos e prêmios, com o objetivo de incentivar a produção e o conhecimento sobre a arte contemporânea mundial. A expectativa é de que, aos poucos, o MAXXI se torne uma referência internacional, assim como o MOMA, de Nova York, e a Tate, de Londres.  Um local para conhecer e acompanhar. MAXXI - Museu Nacional da Arte do Século XXI Via Guido Reni, 4 A - 00196 Roma - Itália Visitação: de terça a domingo, das 11h às 19h, e as quintas, das 11h às 22h. Fechado apenas as segundas. Entrada: Inteira €11 (euros). Reduzida: €7. Gratuita: Menores de 14 anos, acompanhantes de deficientes, jornalistas munidos de identificação profissional. Site: http://www.maxxi.beniculturali.it/   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=67 Multi facetado, multimídia, provocador. Flavio de Carvalho (1899-1973) ja fazia performances e happenings desde a década de 30. Transitava pela pintura, escultura, cenografia, arquitetura e, ao lado dos colegas da vanguarda modernista, provocou o status quo, quebrou padrões. A vida, a obra e a trajetória de Flavio de Carvalho, artista fluminense radicado em São Paulo, pode ser conferida até o dia 13 de junho na exposição Flavio de Carvalho, no Museu de Arte Moderna de São Paulo. Para muitos, Flavio de Carvalho foi um artista anos à frente de seu tempo. Ele é famoso por sua arte polêmica e inovadora e por seus projetos ousados, como é o caso do projeto do Viaduto do Chá (1934) e, anteriormente, do Palácio do Governo do Estado de São Paulo (1928), que nunca chegaram a ser executados, mas foram reconhecidos como importantes obras de arquitetura modernista.Também entrou para a história sua obra entitulada “Experiência nº 2”, misto de happening e performance, realizada num momento em que poucos artistas ousavam enveredar por esse caminho em solo brasileiro. Em 1931, caminhou de boné no sentido contrário a uma procissão de Corpus Christi e quase foi linchado pelos participantes, sendo salvo pela polícia. Outra destas suas ações foi a famosa “Experiências nº 3” (1956), quando Flavio caminhou no centro de São Paulo vestido com o “New Look masculino”: blusão de mangas curtas e folgadas e saiote de pregas largas (numa paródia do New Look feminino, de Christian Dior). Já entre suas obras mais tradicionais, uma das mais marcantes é a série Trágica (1947), composta de desenhos a carvão sobre papel em que registra a agonia de sua mãe no leito de morte. Todas estas facetas da produção artística de Flavio de Carvalho estão contempladas pela exposição, em áreas organizadas cronologicamente, com curadoria de Rui Moreira Leite. Mais sobre o artista Flavio de Carvalho nasce em Barra Mansa (RJ) e completa seus estudos na Inglaterra. Cursa engenharia na Universidade de Durham e artes plásticas na Escola de Belas-Artes Rei Edward. De volta ao Brasil, em 1922, fixa residência em São Paulo, onde é influenciado pelo movimento modernista. Aderiu à antropofagia entre os anos 20 e 30 e criou do Clube de Artistas Modernos (CAM) em 1932, com Antonio Gomide, Di Cavalcanti e Carlos Prado . Faz a sua primeira exposição no 1º Salão de Maio, em São Paulo, em 1937. Na Europa, entrevistou em 1934 expoentes das artes, como André Breton (1896 - 1966) e Man Ray (1890 - 1976), o que gerou algumas matérias publicadas em revistas e no jornal Diário de S. Paulo. Com o passar do tempo e o surgimento de uma nova vanguarda nos anos 60, ficou evidente o papel do artista com prenunciador de movimentos que viriam a ser mais amplamente explorados então, possibilitando a ele o reconhecimento merecido ainda em vida, com obras adquiridas pelo MoMA em 1957 e, dez anos depois, com a premiação da IX Bienal na categoria de artista internacional (feito jamais igualado por outro artista brasileiro) entre outros. Além de atuar como artista plástico, cenógrafo e figurinista, também escreve os livros Experiência Nº 2 (1931) e Os Ossos do Mundo (1936). No teatro, é autor da peça O Bailado do Deus Morto (1933). Representa o Brasil na 25ª Bienal de Veneza, em 1950, e recebe o grande prêmio de desenho na 9ª Bienal Internacional de São Paulo (1967). Morre em Valinhos, no interior de São Paulo. Flavio de Carvalho - até 13 de junho Museu de Arte Moderna de São Paulo (Parque do Ibirapuera, portão 3 - s/nº, São Paulo - Tel.: 11 5085-1300) Visitação: terça a domingo e feriados das 10h às 18h Entrada: R$5,50 (Meia entrada para estudantes, mediante apresentação da carteirinha) Gratuidade para menores de 10 e maiores de 65 anos, sócios do MAM e funcionários das empresas parceiras. ENTRADA GRATUITA AOS DOMINGOS Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=66 O mexicano Juan Rulfo (1917-1986) foi autor de poucas obras literárias. No entanto, bastou duas delas, os romances “El Llano em Llamas” e “Pedro Páramo”, para que deixasse seu nome marcado com um dos mais importantes escritores latino-americanos. O que poucos sabem é que o principal precursor do chamado realismo mágico latino-americano também dedicou-se a fotografia, registrando em imagens os desertos, arquiteturas, muros, rostos e povoados que habitam seus textos. A  exposição “México: Juan Rulfo, Fotógrafo” fica em cartaz até o dia 19 de junho, na Sala de Arte do Instituto Cervantes de Salvador (Ladeira da Barra). Na mostra realizada pelo Instituto Cervantes de Salvador e de Madrid, em parceria com a Fundação Juan Rulfo (México D.F) e a Editora Lunwerg (Barcelola), o publico vai poder conferir em mais de 40 fotografias em preto e branco, produzidas na década de 30, cenas cotidianas que retratam o povo mexicano, através da lente e da sensibilidade deste grande artista. Juan Rulfo conquistou o respeito da critica e dos colegas com seu talento literário. Era citado por Gabriel Garcia Marques como uma de suas principais inspirações e estimado por Jorge Luis Borges, Julio Cortázar e Susan Sontag, que deixaram registrada sua admiração pelo escritor. México: Juan Rulfo, Fotógrafo – até 19/06/2010 Instituto Cervantes – Sala de Arte (Av. Sete de Setembro 2792, Barra - Salvador). Visitação: de segunda a sexta das 9h às 20h e aos sábados de 9h à 12h. Gratuito Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=65 A sexta edição da SP Arte alcançou resultados melhores do que o esperado e confirmou uma tendência: o aquecimento do mercado da arte nacional e o início da especulação de obras de artes contemporâneas brasileiras. As vendas realizadas durante o evento, que aconteceu de 29 de abril a 02 de maio, em São Paulo, movimentaram um total de R$ 31,45 milhões, cerca de 15% a mais do que no ano passado. Também houve um aumento de público de 20%, com aproximadamente 16 mil visitantes (sendo 30% de outros estados). Os números alcançados com as vendas e com a visitação da feira refletem o interesse atual pelas artes visuais no Brasil e atestam a importância do evento como um dos maiores eventos do gênero na América Latina. Nesta edição da SP Arte, estavam à venda cerca de 2.500 obras de arte, espalhadas por estandes de 80 galerias. Apenas na noite de abertura, as principais galerias de São Paulo (Fortes Vilaça, Vermelho, Arte 57 e Nara Roesler) afirmaram ter vendido 80% das obras que trouxeram para os seus estandes. Não foram compradas as mais caras , como "Puerto Metafísico", de Joaquín Torres-García, avaliada em US$ 3,5 milhões, ou "Tamba-Tajá", de Maria Martins, de R$ 1,5 milhão. Mas foram os contemporâneos que encabeçaram os negócios, movimentando valores menores, mas com um volume maior de peças vendidas. Foram arrematadas obras de Flávio de Carvalho, Tunga, Leda Catunda, Andriana Varejão, Waltercio Caldas, Carlos Cruz-Diez e Julio Le Parc, este último, com um trabalho que custou 300 mil euros. A peça de Varejão, "Ruína e Charque - Porto",  foi vendida por R$ 700 mil, sendo uma das negociações mais expressivas de todo o evento. Também tiveram forte saída obras de jovens pintores como Mariana Palma e Eduardo Berliner, representados pela galeria Casa Triângulo, Rodolpho Parigi, da Nara Roesler, e Rodrigo Bivar, da galeria Millan. Entre as vendas institucionais, o Shopping Iguatemi - São Paulo, parceiro da SP Arte, arrematou sete obras que foram doadas à Pinacoteca de São Paulo e ao Museu de Arte Moderna da Bahia. O MAM-BA ficou com uma tela de Rodolpho Parigi e fotografias de Beatriz Franco e Claudia Andujar. Já a Pinacoteca do Estado de São Paulo, com uma instalação de Gustavo Rezende. A procura pelos contemporâneos durante a feira confirmam uma tendência: existe uma altíssima demanda de mercado, mas as peças de artistas consagrados, em geral os mortos, estão cada vez mais escassas. Este fato abre espaço para que novos artistas se transformem muito mais cedo que o normal em fetiches nas mãos de colecionadores e especuladores, fazendo com que suas obras alcancem, assim, altos valores muito mais rapidamente. De acordo com uma reportagem da Folha de São Paulo, artistas como Beatriz Milhazes, Cildo Meireles, Vik Muniz e a própria Adriana Varejão viraram cifrões luminosos em cartelas de investimento. Na cola deles, nomes da novíssima geração, como Thiago Rocha Pitta, Tatiana Blass, Henrique Oliveira e André Komatsu já sofrem especulação. Seguindo essa alta de mercado e a transformação da arte nacional em um ativo de grande valorização e rentabilidade, Rodolfo Riechert, diretor da consultoria Plural Capital, criou junto com Heitor Reis, ex-diretor do Museu de Arte Moderna da Bahia, um fundo de investimentos de R$ 40 milhões para arte brasileira. Um estudo que fizeram circula entre possíveis investidores e mostra que obras de alguns artistas hoje chegam a valer 50 vezes o que valiam há dez anos. Apesar de todo este movimento ser natural no cenário internacional, existe o receio de que a entrada de grandes investidores no circuito das artes force o mercado brasileiro a operar num ritmo artificial. Isto porque, estes investidores, na maioria das vezes estão mais interessados em lucrar com a revenda de obras em momentos estratégicos do que em formar coleções. Esta atitude pode vir a criar uma bolha especulativa, tornando muito menor o intervalo entre o momento em que o artista surge no circuito e a hora em que suas obras vão a leilão (onde os trabalhos chegam a valer até cinco vezes do preço que têm nas galerias). Para alguns, esta espiral descontrolada de valores pode estancar a demanda por esses artistas e levar a uma eventual desvalorização. Neste momento, não há como reverter a situação, já que se trata de uma ordem de mercado global. No máximo, alguns galeristas tentam conter a alta excessiva dos valores comprando de volta obras de seus artistas que surgem no mercado. Até vão a leilões para resgatar suas obras e evitar que não sejam vendidas. Em breve, a Fabio Pena Cal Galeria de Arte entra neste circuito, no mercado nacional das artes visuais, lançando a Corretora de Arte.Com, uma iniciativa inédita no Brasil. A Corretora é uma segura ferramenta online de investimento em obras de arte que tornara possível operar e investir em um mercado em plena expansão. Uma forma de conectar compradores às obras de arte, através da internet. Fontes: site oficial da SP Arte e jornais Folha de Sao Paulo e O Estado de Sao Paulo. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=64 Ocupar a principal feira livre de Salvador com arte, propondo deslocamentos e reflexões. O artista plástico Leonel Rocha Mattos, representado pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte, mobilizou artistas da Bahia, de São Paulo e do Rio de Janeiro na Ocupação Artística na Feira de São Joaquim, realizada na última sexta-feira, dia 14 de maio. Pinturas, esculturas, instalações, fotografias, vídeos e performances dividiram espaço com frutas, legumes, carnes, animais, folhas e objetos de culto sagrado, numa proposta estética e política. Além da curadoria de Leonel Mattos,a Ocupação Artística teve a participação de outros artistas representados por Pena Cal, como Bel Borba e Sergio Rabinovitz. A Feira de São Joaquim é uma das maiores feiras livres do país, e a mais importante e tradicional da cidade de Salvador. Já foi palco de outros eventos artísticos, mas, pela primeira vez, foi ocupada ao mesmo tempo por propostas tão diferenciadas. Leonel conseguiu reunir 72 artistas, entre jovens talentos e nomes consolidados, para manter viva sua proposta de discussão da relação entre arte e política, estimulando o debate acerca das instituições de arte tradicionais. “Caótica e pouco asséptica, mas viva em sua dinâmica funcional, a feira não difere estruturalmente das grandes feiras internacionais de arte e seus biombos milionários”, ironiza o texto-manifesto de Vauluzio Bezerra, que também participou da Ocupação. O evento também reforçou a importância da relação do artista com a rua, com o dia a dia da cidade e seu cotidiano. Num local com tanta informação visual, como é a Feira de São Joaquim, a Ocupação não alterou a rotina dos compradores e feirantes. O que se viu foi uma relação dinâmica entre as propostas artísticas e o espaço, onde a maioria das obras se harmonizou com o seu entorno. Ao final, a Ocupação Artística na Feira de São Joaquim foi um grande site specific coletivo e efêmero, realizado em meio a um dos mais importantes e populares patrimônios culturais da Bahia.     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=63 O projeto Tripé, do SESC Pompéia, chega a sua sexta edição em 2010 com foco na diversidade. Pela primeira vez, a iniciativa é ampliada através da parceria com Lucia Santos, da Galeria Amparo 60, de Recife, e apresenta na exposição Tripé | Escrita o trabalho de três artistas do Nordeste: o alagoano Delson Uchôa, e os pernambucanos Juliana Notari e José Paulo - este ultimo, representado em Salvador pela Fabio Pena Cal Galeria. A mostra, que fica em cartaz até o dia 25 de julho, foi aberta na ultima quinta, dia 29 de abril, junto com o lançamento do "Catálogo Tripé 2009". O Tripé é uma iniciativa do Núcleo de Artes Visuais e Multimeios do Sesc Pompeia criada em 2005 para dar visibilidade a novos artistas e estimular a produção contemporânea de artes visuais. Exposições coletivas e temáticas acontecem anualmente, acompanhadas de oficinas e debates. Na primeira edição de cada ano, o SESC lança o catálogo com todos os artistas que participaram da edição do ano anterior.  Em 2010, Tripé | Escrita abre a programação apresentando oito peças de grandes dimensões de artistas nordestinos (o próximo enfoque será na produção do sul do Brasil). José Paulo nasceu em Recife, Pernambuco, onde até hoje vive e trabalha. Participou de coletivas no Brasil e exterior (EUA,França, Espanha, incluindo a ultima Bienal de Havana). Seus trabalhos mais conhecidos são as esculturas em que utiliza o ferro e o barro como suporte. Para o Projeto Tripé | Escrita, José Paulo criou novas esculturas, pensando na relação da obra com o espaço e a escrita. Com exposições dentro e fora do Brasil, Uchôa abusa em cores e formas geométricas que dão singularidade às suas telas. Já Notari trabalha com a ideia de bandejas que brincam com o tema da mostra, a escrita.   Tripé | Escrita SESC Pompeia – até 25 de julho. (Rua Clélia, 93 - Água Branca. Tel: 11 3871.7700, São Paulo – SP) Visitação: terça a sábado, das 10h às 20h, domingo e feriado, das 10h às 17h. Gratuito   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=62 Haunted: Fotografia Contemporânea / Vídeo / Performance, a nova exposição do Museu Guggenheim, de Nova York, apresenta um exame de como a arte contemporânea parece ser assombrada pelo passado. A mostra apresenta mais de 100 obras, muitas do acervo do próprio Museu e outras aquisições recentes, que nunca foram mostradas antes. Fazem parte de Haunted obras de cerca de 60 artistas, alguns já consolidados e outros mais jovens, que buscam no passado sua inspiração. Entre eles, estão Marina Abramovic, Bernd e Hilla Becher, Sophie Calle, Tacita Dean, Stan Douglas, Felix Gonzalez-Torres, Roni Horn, Leonard Zoe, Robert Rauschenberg, Cindy Sherman, Hiroshi Sugimoto, Jeff Wall e Andy Warhol. Haunted é uma exposição que apresenta algumas hipóteses: ao utilizar dispositivos estilísticos datados, ultrapassados, ou quase extintos - seja na temática ou tecnologia -, a arte encarna um desejo melancólico de retornar a um passado, irrecuperável de outra maneira. O imaginário fotográfico incorporado à prática artística recente reforça ainda o poder de reprodução da mídia, ao mesmo tempo em que documenta uma obsessão generalizada contemporânea, tanto individual quanto coletiva, em acessar este passado. Até o dia 06 de setembro, o público poderá ver desde exposições de fotografias individuais e séries fotográficas até pinturas e esculturas que incorporam elementos fotográficos, além vídeos, performances e instalações site-specific, na seleção da curadora de Jennifer Blessing. Haunted traz ainda Nat Trotman, como curadora associada.   HAUNTED: Fotografia Contemporânea, Vídeo, Performance Museu Guggenheim – até 06 setembro Quinta Avenida, 89th St, New York, N.Y. Tels: 212-423-3500 www.guggenheim.org Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=61 Depois do susto e da perda causados pelo incêndio que, no final de 2009, atingiu parte das obras de Hélio Oiticica (1937-1980), o Instituto Itaú Cultural promove a maior exposição já realizada com seus trabalhos, em São Paulo.  É uma oportunidade única de ver 100 peças do artista carioca que marcou para sempre a história da arte contemporânea do país. Muitas delas, pouco conhecidas. A exposição Hélio Oiticica - Museu É o Mundo, apresenta textos e trabalhos do artista experimental, marcando também os 30 anos de sua morte. A exposição fica em cartaz até 16 de maio e tem curadoria de César Oiticica Filho, sobrinho do artista, e Fernando Cocchiarale. A mostra ocupa três andares do Instituto, traçando um panorama dos trabalhos feitos por Hélio desde o início do Grupo Frente (núcleo do concretismo carioca) até os anos 1970. Das 100 peças, 65 pertencem à coleção da família. Os destaques vão para as 15 Bólides (caixas), 12 Parangolés (capas), oito Penetráveis (instalação) e uma Cosmococa (instalações com projeção de fotos e música). Textos e anotações do próprio Oiticica acompanham as peças expostas. Seguindo uma tendência contemporânea, de valorização da arte urbana e das intervenções, a mostra extrapola os limites da galeria. Como diz o próprio título da exposição, Museu É o Mundo. Cinco Penetráveis de Oiticica vão parar na Casa das Rosas, no Teatro Oficina, na Pinacoteca do Estado, no Parque Mário Covas e no Ibirapuera. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=60 Mario Cravo Neto (1947-2009) é o artista homenageado na abertura do Programa Quarta Dimensão, que iniciou no dia 08 de abril o ciclo de exposições temporárias no Palacete das Artes Rodin Bahia em 2010, depois da chegada das obras do escultor francês. O Programa visa estabelecer um diálogo entre e a obra de Rodin e exposições contemporâneas, reunindo artistas brasileiros já consolidados nacional e internacionalmente. A exposição Eternamente Agora – Um Tributo a Mario Cravo Neto apresenta algumas das principais obras do fotógrafo, que foi o primeiro artista genuinamente baiano a se consagrar no cenário internacional das artes visuais. Por sua plasticidade, as fotografias de Mario Cravo Neto são quase esculturas. O jogo de luzes e sombras no registro do corpo humano dá a suas fotos volume, profundidade. Quando aliado às referências mitológicas e icônicas de seus trabalhos, esse jogo faz com que muitos de suas obras estabeleçam uma relação direta com a escultura, com a tridimensionalidade, criando o diálogo proposto pelo Programa com a tridimensionalidade de Rodin. Eternamente Agora, que foi apresentada antes no Instituto Tomie Ohtake, traz ainda esculturas e instalações, além de vídeos e obras audiovisuais de Cravo Neto, faceta sua menos conhecida, mas que representa a experiência de hibridismo que caracteriza a arte no século XXI. A curadoria da mostra é do também fotógrafo e filho do artista, Christian Cravo. A visitação acontece até o dia 06 de junho. Além de Cravo Neto, José Rezende, Tunga e Waltércio Caldas são os artistas convidados do Programa Quarta Dimensão, uma realização da Diretoria de Museus do Instituto do Patrimônio Artístico e Cultural da Bahia. Todos de uma mesma geração, reconhecidos internacionalmente e com trajetórias e carreiras que se equivalem, com obras nas principais coleções, galerias e museus do mundo.   Eternamente Agora – Um Tributo a Mario Cravo Neto Palacete das Artes Rodin Bahia – até 06 de junho 2010 Rua da Graça, 284, Graça, Tel: 71 3117 6983 Visitação: de terça a sexta, das 10h às 18h, domingos e feriados, das 13h às 17h. Grátis. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=59 Marcelo Silveira vai levar a um dos principais eventos das artes visuais do país um imenso tronco de árvore de cajacatinga, que há aproximadamente 70 anos desabou sobre o terreno do engenho onde o artista cresceu com sua família, em Gravatá, no Agreste de Pernambuco. Marcelo foi um dos primeiros nomes anunciados para participar da Bienal de São Paulo, com uma obra que vai ocupar 35m² de chão do pavilhão, com 4m de diâmetro na base, 7m de comprimento e quase 1 tonelada. Esta será a primeira vez que Marcelo, representado em Salvador pela Fabio Pena Cal Galeria, participa da Bienal. A Cajacatinga de Marcelo Silveira, árvore conhecida da paisagem do interior de Pernambuco, é quase uma relíquia de família, uma peça histórica, que sofreu intervenções do artista para ser apresentada na exposição. Ela que deve estar finalizada em junho, após o processo criativo que está envolvendo o trabalho de mais de 20 pessoas, no ateliê montado em Gravatá. Os trabalhos de Silveira - que tem a madeira como principal elemento -, passeiam também pela escultura, pintura, desenho e instalação, confirmando em seu estilo o hibridismo característico da arte produzida no século XXI. “Embora se deixe, em contato ligeiro, classificar como escultura, parte significativa dela (sua produção) não cabe nas convenções que demarcam o campo escultórico, esgarçando mais ainda as fronteiras, há muito já frágeis, que o apartam dos campos da pintura, do desenho ou da instalação”, escreveu o próprio Moacir dos Anjos, em um dos textos que integrou o catálogo de uma das mais importantes exposições de Marcelo, Armazém do Tudo (2004). Além desse trabalho, ele também vai participar do evento com uma composição de colagens em preto-e-branco, fruto da experiência que realizou no ano passado, no projeto Revistas. A 29ª Bienal de SP vai reunir cerca de 120 artistas, nacionais e estrangeiros, entre os dias 21 de setembro e 12 de dezembro, no pavilhão da Fundação Bienal de São Paulo, no Parque do Ibirapuera.  Este ano, traz como tema “Há sempre um copo de mar para um homem navegar” (verso do poeta alagoano Jorge de Lima) e um novo curador-geral, o também pernambucano Moacyr dos Anjos, ex-diretor do Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (MAMAM), de Recife. Ao lado de Agnaldo Farias, Moacir coordena a equipe curatorial formada pelas espanholas Rina Carvajal e Chus Martinez, o sul-africano Sarat Maharaj, o angolano Fernando Alvim e a japonesa Yuko Hasegawa. Este ano, Marcelo Silveira também foi convidado a compor o Conselho Curatorial do Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (MAMAM), que abriu recentemente suas portas em Recife, após dois anos em reforma. Além do artista pernambucano, mais três profissionais fazem parte deste conselho: Andrés Hernandez (SP) - curador independente e diretor executivo do Museu de Arte Moderna de São Paulo, desde 1998; Beth da Matta (PE) – artista plástica e diretora do MAMAM; e Ricardo Resende (RJ) – diretor de Artes Visuais da Fundação Nacional das Artes (FUNARTE). Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=58 Os meses de abril e maio serão intensos para Braz Marinho. Neste período, o artista representado pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte, vai ministrar oficina sobre tridimensionalidade e escultura, na Paraíba, e realizar duas exposições em Pernambuco: um projeto de site specific, Divulgation, no Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (Mamam), e uma exposição individual, Cromo Somos, no Instituto de Arte Contemporânea (IAC), da Universidade Federal de Pernambuco. No ano passado, Salvador também recebeu uma mostra individual de Braz, quando ele participou da Casa Cor Bahia, no Espaço Galeria de Arte, organizado pela Fabio Pena Cal.   No próximo dia 16 de abril, Braz Marinho apresenta Divulgation, um site specific que marca a abertura do calendário expositivo do anexo do Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães (Mamam), um equipamento cultural da Prefeitura de Recife. Braz foi um dos seis artistas escolhidos na convocação para ocupação de pautas do projeto Mamam no Pátio, pela comissão de seleção composta por Ricardo Rezende (diretor de Artes Visuais da FUNARTE), Andrés Hernandez (diretor executivo do Museu de Arte Moderna de São Paulo), Diogo Todé (artista visual), Marcelo Silveira (artista Visual) e Beth da Matta (diretora do MAMAM). Eles selecionaram dois artistas para a realização de residências, um para performance e três para exposição. Braz Marinho é o primeiro deles.   Ainda em abril, nos dias 21 a 23, Braz vai participar doProjeto Hélio Oiticica - Jackson Ribeiro, do neoconcreto à arte pública , ministrando a oficina Obra tridimensional ou escultura? 2. Esse projeto é uma iniciativa da Fundação Ormeo Junqueira Botelho, que vai acontecer na Usina Cultural Energisa, em João Pessoa, com a proposta de discutir e difundir a vida e a obra do artista paraibano Jackson Ribeiro e sua colaboração, nos anos 60-70, com o artista carioca Hélio Oiticica. O projeto visa estabelecer uma relação entre esses dois artistas, considerados seminais para a arte brasileira da segunda metade do século XX, revelando a contribuição de Jackson Ribeiro, um artista pouco conhecido. A oficina ministrada por Braz acontece de 21 a 23/04 | 9h às 12h | Usina Cultural Energisa/ Sala Digital.  A programação completa do projeto pode ser acessada no endereço eletrônico, www.jacksonribeiro.com.br.   Em maio, por fim, é chegado o momento de Braz Marinho apresentar mais uma vez o seu trabalho, na exposição individual CromoSomos, no Instituto de Arte Contemporânea (IAC), da UFPE. O artista vai apresentar neste espaço esculturas e objetos de cenas do vídeo Auge do Alôpro.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=56 O aniversário de 400 anos da morte de um dos maiores pintores italianos, Michelangelo Merisi, o Caravaggio (1571-1610), é relembrando em Roma com uma série de atividades e exposições. Talvez uma das mais importantes delas seja justamente Caravaggio, mostra que leva o nome do artista e fica em cartaz até o dia 13 de junho de 2010, na Scuderie del Quirinale. A exposição, uma das maiores já realizadas em torno da obra de Caravaggio, apresenta 30 obras selecionadas cuidadosamente, após uma pesquisa meticulosa, que comprovou a autenticidade das peças e sua data de realização. Caravaggio era um mestre em iluminar em meio à escuridão. Como poucos, ele marcou com sua técnica e seu estilo a história da arte mundial. Nesta mostra, estão expostas obras provenientes dos mais prestigiados museus do mundo (como o Metropolitan de Nova York, a Galeria Nacional de Londres, a Pinacoteca Ambrosiana de Milão, entre outros), num evento que pretende ainda levantar um importante debate acerca do seu trabalho. Além de examinar o seu reconhecido estilo, a exposição reacende a controvérsia em torno da forma de produção de Caravaggio - se ele trabalhava sozinho, ou com outros artistas. Por isso, também se justifica o cuidado na confirmação da autoria das peças expostas. Estão à mostra apenas obras com autenticidade comprovada. Polêmicas a parte, não há dúvidas do talento e da importância de Caravaggio na história da arte. Visitar esta exposição é uma ocasião imperdível para admirar o breve e impressionante percurso artístico de um autêntico gênio da pintura. Caravaggio Scuderie del Quirinale – até 13 de junho (Rua XXIV de Maio, 16, Roma, Itália). Visitação: Domingo a quinta, das 10h às 20h, sexta e sábado, até 22h30. Ingresso: 10 Euros Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=55 Uma exposição com trabalhos de 30 importantes artistas baianos comemora o 90º aniversário do Museu de Arte da Bahia (MAB). Obras de Genaro de Carvalho, Mario Cravo Junior, Carlos Bastos, Rubem Valentim, Lygia Sampaio, Jenner Augusto, Sante Scaldaferri, Calazans, Tati Moreno e Carybé, todas do acervo da Agência de Fomento do Estado – Desenbahia, estarão expostas no MAB, na mostra Revisitando um Acervo de Arte Baiana, em cartaz até abril de 2010. O projeto tem curadoria da diretora do museu, Sylvia Athayde, e apresenta cerca de 70 peças. São telas a óleo, gravuras, tapeçarias, esculturas em bronze, aço e latão distribuídas em três ambientes. O primeiro é dedicado às esculturas. O segundo inclui obras do grupo dos artistas que iniciaram o movimento modernista na Bahia. No terceiro, está a sala dedicada aos artistas contemporâneos. Todas estas peças até então eram vistas apenas por visitantes do órgão do governo. Agora, elas estão à disposição do público em geral, que pode apreciar um verdadeiro panorama das artes baianas, com o desenvolvimento das técnicas e linguagens através dos tempos.   Revisitando um Acervo de Arte Baiana – Coleção Desenbahia Museu de Arte da Bahia – até abril de 2010 Avenida Sete de Setembro, 2340, Corredor da Vitória, Salvador. Tel: (71) 3117-6903. Visitação: terça a sexta, das 14h às 19h; finais de semana e feriados, das 14h30 às 18h30, Gratuito   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=54 A partir do dia 20 de março, na Estação Pinacoteca, em São Paulo, o público brasileiro vai poder conferir a maior exposição na América Latina dedicada ao principal ícone da arte contemporânea. Andy Warhol, Mr. America apresenta 169 obras (26 pinturas, 58 gravuras, 39 fotografias, 44 filmes e duas instalações) produzidas entre 1961 e 1968 na famosa Factory, em Nova York – um misto de ateliê, estúdio, espaço para festas e ponto de encontro de seus amigos, importantes artistas e celebridades da época. Antes de chegar ao Brasil, a exposição que fica em cartaz até o dia 23 de maio passou por Bogotá, na Colômbia, e por Buenos Aires, na Argentina, apresentando algumas das mais conhecidas obras de Warhol, como os retratos de Marilyn Monroe, as latas de sopa Campbell's, e os filmes chamados de Screen Tests (Testes de Tela), com famosos em close, em momentos de intimidade, entre eles, estão os músicos Bob Dylan e Lou Reed, e a modelo Edie Sedgwick. Todas as peças vieram do Museu de Pittsburgh, nos Estados Unidos, cidade natal do artista, selecionadas pelo curador Philip Larratt-Smith, que tem uma foto sua, na mostra. Em Buenos Aires, Andy Warhol, Mr. America formou longas filas durante toda a temporada em que esteve em cartaz, no Museu de Arte Latino-Americana (Malba). Cerca de 200 mil pessoas visitaram a exposição nos quatro meses de duração da mostra. Lá, puderam entender um pouco mais porque Warhol era tão à frente de sua época, e tão atual nos dias de hoje, ao captar e reproduzir com sua arte a força da sociedade de consumo, o culto à celebridade e exibição pública da vida pessoal. Andy Warhol, Mr. America Estação Pinacoteca – até 23 de maio (Largo General Osório, 66, Centro, São Paulo, SP, Tel. 0++/11/3335-4990). Visitação: De terça a dom., das 10h às 18h. R$ 6,00. Grátis aos sábados.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=53 De 17 a 20 de março acontece a Art Dubai 2010, uma das mais importantes feiras de arte contemporânea do mundo. Nesta última edição, o evento conta com a participação de 70 galerias de 30 países e vários eventos paralelos. Nos últimos anos, a Art Dubai se tornou um espaço importante para colecionadores, artistas, curadores, profissionais envolvidos com as artes e investidores interessados no crescimento dos chamados países emergentes, em que constam, além da Índia, o Brasil, a Rússia e a China. A Art Dubai reflete as contradições do país onde é sediada, a Índia, dividida entre a contemporaneidade e a tradição, entre a extrema pobreza de seu povo e a suntuosidade dos arranha céus luxuosos, com seus sheiks do petróleo. Mas é justamente neste lado, da riqueza, que se explica o boom da arte indiana. O progresso da arte contemporânea indiana é impressionante: em janeiro de 2008, o índice dos preços das obras apresentou um crescimento de 830%, medido ao longo desta década. Para se ter uma idéia, em 2001, o mercado indiano movimentou US$ 2,3 milhões; em 2006, chegou a movimentar US$ 140 milhões. Este fenômeno começou por volta de 2005, quando indianos ricos que moravam fora do país começaram investir e valorizar o trabalho de artistas conterrâneos. Hoje em dia, a procura é mundial e crescente, alimentada por um clima especulativo, com oportunidades de expansão e rápida negociação. As novas estrelas da arte indiana são disputadas em Hong-Kong, Dubaï, Londres, Nova Iorque, Nova Deli e Paris. Entre eles, estão estrelas mediáticas, como Anish Kapoor e Subodh Gupta, este último, com trabalhos em exposição até o dia 04 de abril no SESC Pompeia, em São Paulo, na mostra Urban Manners 2 – Artistas Contemporâneos da Índia. Gupta, de 44 anos, era um desconhecido nas vendas internacionais até três anos atrás. Hoje é considerado pela sua notoriedade como o Damien Hirst indiano (em referência ao maior sucesso do mercado de arte britânico, que movimenta grandes cifras). Mas o mais caro artista contemporâneo da Índia é atualmente Anish Kapoor, nascido em 1954. No mercado há cerca de vinte anos, ele deslanchou a sua carreira internacional em 2006, quando a Sotheby’s (galeria e empresa inglesa especializada em exposições, leilões e vendas) leiloou uma escultura sua por 2 milhões de dólares, cinco vezes mais do que a sua estimativa inicial. Desde então, Kapoor fez outras cinco vendas milionárias em torno de 2,5 milhões de dólares. No entanto, nem todas as suas obras são inacessíveis: existem pequenas esculturas suas, produzidas em série limitada, que têm valor entre 3.000 e 10.000 euros. Até nomes históricos da Índia se beneficiaram dessa movimentação: os recordes de valores unitários para venda de obras indianas pertencem às pinturas Birth, de Francis Newton Souza (1924-2002), e La Terre, de Sayed Haider Raza, 87 anos, vendidas em 2008 a US$ 2,5 milhões cada uma. No Brasil, apenas uma galeria, a paulistana Nara Roesler, representa uma artista indiana no país, Sutapa Biswas, radicada em Londres. Além dela, a Galeria Leme, também de São Paulo, acertou recentemente uma parceria com a Maskara, galeria sediada em Mumbai. Fontes: ArtTactic, Optimize, Bravo Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=52 Leonel Mattos ganhou recentemente destaque na imprensa nacional por sua arte e por sua postura diante dela: sempre política e questionadora. “Prefiro expor na Feira de São Joaquim à Bienal de Veneza”, declarou, em fevereiro deste ano, à repóter da Isto É, em matéria que repercutia o tema da Bienal de São Paulo de 2010: arte e política. Suas pinturas - que invadem a cidade, em árvores, muros, igrejas e, recentente, ganharam corpos humanos como suporte - têm caráter performático e forte conteúdo político-social, graças ao engajamento e à própria vida do artista. Leonel Mattos nasceu em Coarací, Bahia, em 1955. Iniciou sua atividade artística em 1971 e foi um dos primeiros baianos a realizar intervenções urbanas. Em dezembro de 2009, ele abriu a exposição 2.234, da qual foi idealizador e curador, ao lado do também artista plástico Gustavo Moreno. O título, 2.234, é uma referência ao número de mortes ocorridas em Salvador e Região Metropolitana de Salvador no ano de 2008. A exposição aborda o tema da violência de uma maneira ao mesmo tempo local e global. Mobilizando 125 artistas de vários estados do Brasil e do exterior em torno de um movimento pela paz, 2.234 vai passar por seis cidades brasileiras. Este projeto marca a cotinuidade da exposição Ex-Pistols (ex-pistolas) montada em Trieste, na Itália, em novembro de 2008, da qual participaram Gustavo Moreno e Roney George, representando a Bahia. Antes, Leonel já havia se envolvido em outro projeto bastante contundente. A premiada exposição Caixa Preta foi realizada a partir de sua passagem pela Penitenciária Estadual Lemos de Brito, onde o artista conviveu com presos para os quais acabou promovendo oficinas de artes. Caixa Preta, que é uma  instalação resultado deste período, foi apresentada no Museu de Arte Moderna da Bahia em 2004. Sua vida e sua obra ilustram o documentário Leonel Mattos a 24 quadros por segundo, premiado em concurso do Ministério da Cultura (MINC), realizado por Tuna Espinheira e apresentado durante a Jornada Internacional de Cinema da Bahia, em setembro de 2009. Tuna é o mesmo cineasta que produziu em 2000 o curta-metragem O Bruxo Bel Borba, vencedor do XI Cine Ceará (Fortaleza). Leonel é ainda vencedor de sete prêmios importantes em vários salões de arte do Brasil, representou o país em Paris, a convite do Museu de Arte de São Paulo (MASP), e realizou diversas exposições individuais e coletivas em museus, galerias, salões e bienais no Brasil e no exterior.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=51 A Tate Modern apresenta pela primeira vez no Reino Unido uma grande exposição de Theo Van Doesburg (1883-1931), artista holandês que foi figura central da vanguarda artística européia. Até o dia 16 maio o público vai poder conhecer o trabalho de Van Doesburg, que unia arte, design e texto, e fundou o movimento artístico e a revista “De Stijl”. A mostra de Van Doesburg faz parte de uma série de exposições voltada a explorar os diferentes aspectos do modernismo, concebido por Vicente Todolí, diretor da Tate Modern. O “De Stijl” foi um movimento artístico de pintores, arquitetos e projetistas que procuravam construir uma nova sociedade, ao final da I Guerra Mundial. O movimento defendia um estilo internacional de arte e design, com base em uma geometria rigorosa composta por horizontais e verticais. Van Doesburg viajou exaustivamente na Europa na década de 1920, fazendo contatos e colaborando com a avant-garde da época. A exposição na Tate Modern explora o papel Doesburg como promotor de neoplasticismo holandês, seus esforços para influenciar a Bauhaus, suas ligações com construtivistas internacionais e a criação do grupo de Arte Concreta. A exposição inclui ainda mais de 350 obras de artistas fundamentais como Jean Arp, Constantin Brancusi, László Moholy-Nagy, Piet Mondrian, Francis Picabia, Gerrit Rietveld, Kurt Schwitters, Taeuber Sophie e apresenta composições pouco conhecidas de Van Doesburg, como as pinturas e desenhos para o Aubette Café, em Estrasburgo, mobiliário, como a Red icônico Rietveld's Blue-presidente, assim como a tipografia, revistas, vitrais, cinema, música, escultura, entre outros. A curadoria é de Gladys Fabre, curador independente, e Todolí Vicente, diretor da Tate Modern. Van Doesburg e a Vanguarda Internacional Tate Modern – até 16 maio Bankside, Londres SE1 9TG, Inglaterra (Internacional +44 20 7887 8008) Visitação: domingo a quinta, das 10h às 18h, sexta e sábado, das 10h às 22h. Ingressos: 10 Euros   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=50 Depois de sua primeira edição em Milão, em 2007, chega ao Brasil Urban Manners 2 - Artistas Contemporâneos da Índia, em cartaz no SESC Pompéia, em São Paulo. A exposição oferece ao público brasileiro uma mostra da produção de arte contemporânea da Índia, cena que movimenta 140 milhões de dólares por ano e é a aposta dos galeristas no mundo todo. Urban Manners 2 reúne trabalhos de onze representantes do país asiático, incluindo os expoentes Subodh Gupta e Jitish Kallat, com curadoria de Adelina von Fürstenberg e Peter Nagy. Na mostra, obras como a instalação Hungry God (Deus Faminto), feita por Gupta com utensílios de cozinha, Aquasaurus, de Kallat, uma escultura híbrido de caminhão-pipa e esqueleto de animal pré-histórico, e Artist Making Local Call (Artista Fazendo Chamada Local), também de Kallat, um painel fotográfico de dez metros de largura com um panorama algo caótico de uma metrópole indiana. Urban Manners 2 - Artistas Contemporâneos da Índia. SESC Pompéia – até 04 de abril Rua Clélia, 93, Pompéia, São Paulo. Tel: (11) 3871-7700. Visitação: de terça a sábado, das 10h às 21h; domingo, das 10h às 20h. Entrada Franca   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=49 Faustus, do artista paraibano José Rufino, inaugura o calendário anual de exposições do Palácio da Aclamação, em Salvador, que é reaberto ao público com uma nova proposta de ocupação. Faustus foi concebido especialmente para o Palácio, um enorme fragmento de esqueleto humano com ossos formados por móveis antigos e gesso. A obra nos remete tanto às escavações palenteológicas e às aulas de biologia, quanto ao próprio acervo do Palácio da Aclamação, formado por mobiliário e objetos decorativos, afrescos e pinturas. A exposição de José Rufino marca ainda a vocação do espaço para mostras de processos criativos e projetos de site-specifics. As obras expostas se relacionarão diretamente com os aspectos físicos e/ou conceituais do casarão e seu entorno. Depois de Rufino, passarão pelo Palácio artistas do porte de Tunga, Carlito Carvalhosa e Eder Santos, além do projeto “Luanda: Suave e Frenética 2”, que vai contar com 17 artistas africanos contemporâneos em processos de residência. Faustus | de José Rufino Palácio da Aclamação – até 14 de março Av. Sete de Setembro, 1.330, Campo Grande, Salvador, Bahia. Tel: (71) 3117-6051 Visitação: de terça a sexta-feira, das 10 às 18h; fins de semana e feriados, das 13h às 17h. Entrada Franca   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=48 A artista plástica baiana Eliana Kertész se posiciona no cenário artístico brasileiro pela força criativa e pela coerência de uma estética própria, marcada pelo contraponto à tendência contemporânea da magreza. Seja em barro, bronze, resina, fibra, alumínio ou pedra, a arte de Eliana é arredondada: “Volumes, curvas, abundância, exagero e fartura. Assim que nascem minhas gordas. São generosas, sensuais e extravagantes”, explica a artista representada pela galeria Fabio Pena Cal.   Eliana Kertész faz de sua visão estética um manifesto à ditadura cruel da beleza associada ao magro. Há cerca de dois anos, Eliana apresentou sua produção em esculturas em São Paulo, composta por cerca de 20 das suas peças em bronze e resina, na Galeria Spazio Surreale, nos Jardins. Entre as últimas exposições e prêmios de Eliana Kertész, estão a V Bienale di Roma (2004), onde recebeu a terceira colocação na categoria esculturas; os 10 anos de Escultura, em Salvador, e na Costa do Sauípe; o Prêmio Primavera, em São Paulo; e o Arte Salvador 450 anos, em Portugal e China. Recentemente o Selo Editorial Rodin Bahia lançou a obra “Gordas”, de Eliana Kertész, sobre a vida e o trabalho da artista. É de Eliana também o monumento “As meninas do Brasil” - uma homenagem às três raças do Brasil (negra, branca e índia), que desde dezembro de 2004 está expostos em Ondina, Salvador.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=47 O artista pernambucano José Patrício, representado em Salvador pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte, apresenta na CAIXA Cultural Rio de Janeiro a exposição José Patrício: O Número. Ao todo, serão expostas 12 obras produzidas pelo artista entre 2004 e 2009, reunidas pelo curador Paulo Herkenhoff. A exposição fica em cartaz até 07 de março, com entrada franca. Com quase 30 anos de pesquisa criativa e experimentações estéticas, José Patrício é um importante representante da arte contemporânea nacional. Nesta exposição, partindo da apropriação de objetos do cotidiano, e incorporando-os à experiência artística, José Patrício centra-se na idéia de número e debruça-se sobre o signo, a representação do número, a quantificação, a geometria, a espacialização, a abstração, o tempo, a serialização e o jogo. “A arte de José Patrício, como as técnicas matemáticas diante da técnica logística, aspira à autonomia. (...) Ele não se propõe a “revelar verdades essenciais sobre a matemática”, mas ativá-la pela poética do número. Age na hiper-relação de um jogo de jogos em busca de conceito”, disse o curador, Paulo Herkenhoff, sobre a exposição José Patrício: O Número. Entre os destaques da mostra está a obra Expansão Múltipla (2008), apresentada pela primeira vez no Brasil, depois de participar de exposição no Pharos Centre for Contempoary Art, no Chipre. Trata-se de uma instalação na parede, onde o artista posiciona peças de dominós em forma de adesivos nas cores preto e branco. Também faz parte da exposição Coleção (2005), com 6.274 botões, que, segundo o curador, “propõe a justeza entre acúmulo, taxonomia, nomeação e número. Na empiria do número, sua representação, o pré-número, a abstração, a quantificação, o espaço e o tempo agitam um sistema de signos”. Já O Encarnado e O Azul, também de 2005, tratam da mesma questão, dessa vez utilizando 6.382 botões e tinta acrílica sobre tela sobre madeira. Também participam da exposição Vanitas (Espiral) (2009), peças de quebra-cabeças de plástico sobre madeira; Imagem V (2004), 6.272 cubos de resina sobre acrílico; Monocromático (2005), 6.272 pregos sobre mdf, esmalte, acrílico; Piercing V. Progressão Cromática (2005), 6.272 alfinetes sobre cartão de espuma em caixa de acrílico; Tachas (2005), 6.272 tachas de cobre sobre mdf em caixa de acrílico. Completando a mostra,  estarão expostas três obras com dados e pregos: Dados em Progressão Crescente (2007), 46.872 Pregos – Crescente (2008), 46.872 Pregos – Decrescente (2008). SERVIÇO: José Patrício: o Número CAIXA Cultural Rio de Janeiro – Até 07 de março de 2010 Av. Almirante Barroso, 25, Centro, Rio de Janeiro. Tel: (21) 2544-4080 Abertura: dia 25 de janeiro, às 19h (para convidados e imprensa) Visitação: de terça a sábado, das 10h às 22h; domingo, das 10h às 21h). Entrada franca   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=45 A arte moderna americana do início do século XX sempre foi associada na Europa a um artista em particular: Edward Hopper (1882-1967). Suas pinturas a óleo que apresentam ruas, paisagens e edifícios vazios ou figuras solitárias em um desolado ambiente urbano são destaque da exposição Modern Life - Edward Hopper and His Time (Vida Moderna – Edward Hopper e seu Tempo), em cartaz na Kunsthall Rotterdam, na Holanda, até o dia 17 de janeiro de 2010. Os lugares descritos por Hopper em suas pinturas continuam a moldar a nossa imagem da América. Na sala espaçosa luz do Kunsthall, a exposição Vida Moderna apresenta oito das principais obras de Hopper, juntamente com mais de noventa obras da coleção do Museu Whitney de Arte Moderna de Nova York. O destaque da exposição que foi elaborada pelo Museu Whitney de Arte Americana, em Nova York como parte da comemoração dos 400 anos Nova York (1609 - 2009) é que, pela primeira vez, o trabalho de Hopper será apresentado ao lado de outros artistas contemporâneos ao artista, contextualizando sua criação. Fazem parte da mostra artistas como Georgia O'Keeffe, Charles Sheeler, Man Ray, Lyonel Feininger, Wood Grant e Alfred Stieglitz. Através de pinturas, obras sobre papel, esculturas e fotografias, a exposição apresenta um belo retrato do desenvolvimento da arte moderna nos EUA e lança nova luz sobre a obra de Hopper.  Depois de Rotterdam a exposição viaja para a Galeria Ufizzi, em Florença, Itália. Modern Life - Edward Hopper and His Time Kunsthall Rotterdam (Holanda) - Até 17 de janeiro de 2010. Museumpark, Westzeedijk 341, 3015 AA, Rotterdam. Quinta a sábado, das 10h às 17pm, domingos e feriados, das 11h às 17h.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=44 Se Andy Warhol (1928-1987) é o mais reconhecido artista pop do mundo, algo como um Top of Mind internacional da cultura de massas, um ilustre desconhecido destas mesmas massas, Robert Rauschenberg (1925-2008) é o Top of Mind dos próprios artistas pop. O artista americano de vanguarda é homenageado pelo Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, em exposição que fica em cartaz até o dia 21 de fevereiro. O artista Jasper Johns, que transformou em arte a imagem da bandeira dos Estados Unidos, afirma ser Rauschenberg o mais criativo dos artistas americanos de sua geração. Willem De Kooning (1904-1997), cultuado por jovens artistas, fez a Rauschenberg uma homenagem, quando o autorizou a apagar um de seus desenhos, no que seria um gesto artístico. Erased De Kooning Drawing (Desenho de De Kooning Apagado), de 1953, virou referência nos anos 50. Rauschenberg foi um dos primeiros a explorar a idéia de que arte e vida não deveriam andar tão separadas. Segundo o jornalista e crítico de arte Mario Gioia, ele é um dos pioneiros em pelo menos três procedimentos definidores da arte pop: o uso do dia a dia como matéria-prima, a referência a imagens produzidas em larga escala pela indústria cultural e a incorporação da palavra ao repertório das artes plásticas. Na exposição em São Paulo, podem ser vistas 99 obras de Rauschenberg: 76 gravuras e o restante assemblages (colagens feitas com os mais variados materiais). Robert Rauschenberg Instituto Tomie Ohtake - Até 21 de fevereiro de 2010 Rua Coropés, 88, São Paulo, SP. Tel. 11 2245-1900. Terça a domingo, das 11h às 20h. Grátis. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=43 O acervo pessoal da curadora e pesquisadora Rosely Nakagawa contém 200 fotografias de alguns dos mais importantes artistas do pais, reunidas ao longo de três décadas. Um recorte com as principais obras desta coleção é apresentado em na CAIXA Cultural Salvador, depois de passar por cidades como São Paulo, Curitiba e Brasília, na exposição 30 Anos de Fotografia. A mostra  permanece aberta a visitação até o dia 17 de janeiro. Apresentar a exposição em Salvador tem uma importância a mais para Rosely Nakagawa. Sua  coleção foi iniciada justamente com a obra de um baiano, o fotógrafo Mario Cravo Neto (1947-2009), que inspirou sua coleção e esta exposição. 30 Anos de Fotografia é uma coletânea que apresenta trabalhos de 27 fotógrafos, formando como uma um verdadeiro panorama da história da fotografia brasileira. Na seleção mostrada na Caixa Cultural o destaque fica para o processo criativo de renomados fotógrafos brasileiros, como o próprio Mario Cravo Neto, Thomaz Farkas, Cristiano Mascaro, Carlos Moreira, Luiz Braga e Lucia Guanaes, entre outros. São fotógrafos participantes da mostra 30 Anos de Fotografia: Mario Cravo Neto (Salvador), Arnaldo Pappalardo (São Paulo), Carlos Alberto Ebert (São Paulo), Carlos Moreira (São Paulo), Celso Oliveira (Rio de Janeiro), Clode Kubrusly (São Paulo), Cristiano Mascaro (São Paulo), Dorival Moreira (Brasília), Fernando Lemos (São Paulo), Guy Velloso (Belém), João Musa (São Paulo), João Urban (Curitiba), Kenji Ota (São Paulo), Leonardo Crescenti (São Paulo), Lucia Guanaes (Salvador), Lucia Loeb (São Paulo), Luiz Braga (Belém), Luiz Carlos Felizardo (Porto Alegre), Marcos Piffer (Santos), Nivia Uchoa (Juazeiro do Norte), Paula Sampaio (Belém), Pedro Lobo (Rio de Janeiro), Pedro Vasquez (Rio de Janeiro), Penna Prearo (São Paulo), Salete Goldfinger (São Paulo), Thomaz Farkas (São Paulo), Tiago Santana (Fortaleza). 30 Anos de Fotografia Caixa Cultural Salvador – Até 17 de janeiro de 2010. Rua Carlos Gomes, 57, Centro (3421-4200). Diariamente, das 9h às 18h. Grátis   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=42 Sérgio Rabinovitz conseguiu eternizar em imagens sua vida, obra e pensamento. No documentário “A Bahia de Sérgio Rabinovitz”, dirigido por Luciana Aciolly em 2007, o artista plástico conta suas histórias entre pinturas, cores, imagens e passeios pela velha Bahia. Sérgio Rabinovitz é um dos artistas representados pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte. A obra de Sérgio Rabinovitz é fortemente inspirada pela cultura da Bahia, em especial, pelas imagens, histórias e personagens de Salvador. O ciclo das festas populares, a religiosidade, o carnaval, a arquitetura colonial e o colorido da Feira de São Joaquim são algumas das suas principais fontes de inspiração. Por estas características, Sérgio Rabinovitz se tornou um dos grandes tradutores desta terra. O documentário “A Bahia de Sérgio Rabinovitz” é um média metragem de 30 minutos de duração, com fotografia e edição de Gabriel Teixeira, ancorado em depoimentos do artista. Com imagens de arquivo da Bahia antiga e atual, o vídeo traz também entrevistas com Claudios Portugal, Matilde Matos, Cesar Romero, Luiz Freire e dos artistas Carlinhos Brown, Bel Borba e Mario Cravo Jr., um dos mentores de Rabinovitz, ao lado de Calazans Neto. O documentário pode ser assistido on line no site Videolog TV. Sérgio nasceu em 1955 e vive em Salvador. Pintor, desenhista e gravador concluiu sua formação acadêmica nos Estados Unidos, em Connecticut e Nova York, graduando-se Bachelor in Fine Arts. Em 1975 realiza a primeira exposição, iniciando uma seqüência de mostras em museus e galerias, no Brasil e no exterior, como no Museu de Arte Moderna da Bahia (1976, 1979, 1996); Houghton Gallery, New York, USA (1978); Museu de Arte de São Paulo (MASP, 1980); Museu de Arte do Estado da Bahia (1980); Museu Metropolitano de Arte de Curitiba (1996); e Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (1997). A sua obra está representada nas coleções: Davison Art Center (Connecticut, USA); Window South Collection (California, USA); Cooper Union Foundation (New York, USA); Museu de Arte Moderna da Bahia; Banco University of New Mexico (USA); Embaixada do Brasil no Chile (Santiago, Chile); entre outras.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=41 Depois de mais de três anos em processo de restauro e catalogação, finalmente, o acervo do Museu de Arte Moderna da Bahia é apresentado ao público na exposição Coleção MAM-BA | 50 anos de Arte Brasileira. A curadora geral da exposição e diretora do MAM, Solange Farkas, selecionou algumas das mais representativas obras do acervo do museu, composto por mais de 1.130 peças. Entre elas, estão quatro trabalhos de artistas representados pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte: Eudes Mota, José Patrício, Leonel Mattos e Marcio Lima. Os três primeiros artistas fazem parte do conjunto Contemporâneos, expostos no térreo do Casarão do MAM, e Márcio Lima do grupo Fotografia, no primeiro andar. Eudes Mota é representado na exposição pela obra Bandeira, de 1994 (pintura, óleo s/ madeira). José Patrício tem na mostra a obra Duzentos e Vinte e Quatro Dominós, de 1999 (instalação, peças de dominós de plástico). Leonel Mattos participa da exposição com Mundo-Animal-Homem, de 2001 (pintura, óleo s/ madeirite).  Por fim, Márcio Lima participa da exposição com uma fotografia sem tìtulo, de 2004. A exposição fica aberta até o dia 28 de março de 2010. A mostra Coleção MAM-BA | 50 Anos de Arte Brasileira apresenta obras que ilustram momentos chave da história da arte brasileira nos últimos 60 anos. A exposição ocupa todos os espaços do MAM-BA e se divide em quatro recortes temáticos: Modernistas, Contemporâneos, Fotografia e Rubem Valentim. Uma Linha do Tempo, construída na Galeria Subsolo, contextualiza a história do acervo e do museu. Com curadoria geral de Solange Farkas, a exposição é fruto de um intenso trabalho de pesquisa e de restauro do acervo. Ela expande o projeto do livro MAM-BA (Coleção Museus/Instituto Cultural J. Safra, 2008), que dividia a coleção em recortes comentados por curadores: Contemporâneos (Cristiana Tejo, da Fundação Joaquim Nabuco), Rubem Valentim (Emanoel Araújo, do Museu Afro Brasil), Fotografia (Rubens Fernandes, da Faap) e Modernistas (a crítica Aracy Amaral). A exposição conta também com uma intensa programação educativa, com visitas mediadas, atividades para crianças e jovens e um curso em que curadores convidados comentam cada núcleo da exposição. Coleção MAM-BA | 50 anos de Arte Brasileira Av. Contorno s/n - Solar do Unhão, Salvador - Bahia Visitação: terça a Domingo, das 13h às 19h e sábados das 13h às 21h Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=39 Criando grandiosos mosaicos de azulejos nas encostas, muros e túneis da cidade, Bel Borba chamou a atenção para a arte de rua, para a intervenção urbana. Marcou definitivamente com seu estilo as ruas de Salvador e se consolidou com um dos principais artistas da Bahia e do Brasil. Nascido em 1957, em Salvador, Bel Borba cursou a Escola de Belas Artes da UFBA. Chegou a trabalhar com publicidade e com cenografia para teatro, mas foi nas artes plásticas que encontrou seu grande espaço de invenção. Sua produção começa a ser conhecida a partir de meados da década de 70. Começando a trabalhar com pintura com spray, não demora muito até que Bel passa a experimentar técnicas diversas. Além do mosaico (com o qual se tornou um dos artistas mais populares da Bahia), passou a se dedicar à pintura e à escultura, utilizando sucatas de navios, madeira, pedra e fibra de vidro. Na Fabio Pena Cal Galeria de Arte, estão algumas de suas mais belas pinturas, identificadas pelo traço espontâneo e pela referência a Pop Art e ao Surrealismo. Bel Borba já participou de várias exposições individuais e coletivas, no Brasil e em outros países. Foi autor de diversos trabalhos, em locais públicos e particulares, principalmente em Salvador, mas também em outras cidades. De salão em salão, em 1986 chegou a Nova York, onde participou da execução de um mural sobre o Apartheid, na Segunda Avenida. Transitando com facilidade entre os espaços urbanos e as galerias, Bel Borba vai deixando suas marcas, com uma arte cheia de originalidade e presença. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=38 Salvador sedia exposição que apresenta um novo olhar sobre a África. A exposição Luanda | Suave e Frenética 1, em cartaz na Galeria Solar Ferrão, no Pelourinho, atualiza o imaginário sobre a produção artística e a estética do continente africano, ao apresentar a produção de quatro artistas contemporâneos de Luanda, capital de Angola. A exposição apresenta vídeos, fotografias e obras de técnicas mistas de Cláudia Veiga, Ihosvanny, Kiluanji e Yonamine, que pertencem à geração mais recente de artistas contemporâneos angolanos. Ao todo, estão expostas 13 obras na Galeria, que refletem as transformações sociais vivenciadas em Luanda e as contradições que acompanham esse processo, a partir dos diversos olhares dos quatro artistas. Até a força da migração chinesa no país está lá, retratada, como um destes novos elementos, pouco conhecidos por nós, brasileiros, e principalmente baianos, que mantemos a imagem de uma África ancestral. Com Luanda | Suave e Frenética 1 é possível atualizar este imaginário e conhecer a força da arte contemporânea local. A exposição é realizada em parceria entre a Diretoria de Museus do Instituto do Patrimônio Artístico Cultural da Bahia (Dimus/IPAC), com a galeria paulista SOSO arte contemporânea africana e a Fundação Sindika Dokolo. A curadoria é de Fernando Alvim, vice-presidente da Fundação e diretor da Trienal de Luanda, evento internacional que terá sua segunda edição em 2010, contando, pela primeira vez, com a participação da arte da Bahia. Com o tema Geografias Emocionais, Arte e Afetos, a II Trienal de Luanda está estruturada a partir de sete áreas: Artes Visuais, Arquitetura, Projetos, Arte Pública, Artes Cênicas, Exposições e Cidades. Promovido entre 13 de setembro e 19 de dezembro de 2010, o evento se estende para além de Luanda, envolvendo ações que serão realizadas em 28 países. Exposição Luanda, Suave e Frenética 1 Centro Cultural Solar Ferrão, Galeria Solar Ferrão - Rua Gregório de Mattos, 45, Pelourinho, Salvador. Tel.: (71) 3117-6357 Visitação: até 17 de janeiro de 2010 - de terça a sexta, das 10h às 18h; finais de semana e feriados, das 13h às 17h.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=37 Alice Vinagre mistura memórias e poesia às cores de suas tintas. A artista visual paraibana radicada em Pernambuco constrói com sua pintura um universo poético e imagético, a partir de suas experiências pessoais. Alice é uma das artistas representadas em Salvador pela Fabio Penal Galeria de Arte. Em sua exposição individual mais recente, em Alagoas, Alice Vinagre apresentou trabalhos que uniam palavras, desenhos e a característica marcante da artista: a sobreposição de elementos e cores. “Anotações sobre Pintura” teve curadoria de Marcelo Silveira e apresentação de Moacyr dos Anjos. A artista nasceu em João Pessoa, Paraíba, em 1950. É graduada em Pintura pela Escola de Belas Artes da UFRJ em 1984. “Essa relação ambígua entre figura e fundo, abstração e figuração, desenho e pintura, obra e suporte, transforma o trabalho desta artista em um campo pouco afeito às certezas ou afirmações peremptórias. Tudo se passa como se Alice preferisse evocar a alternância de passagens à meia voz entre esses estados, em que nenhum deles quer ceder lugar em detrimento do seu oposto e, antes de desejarem apagar-se ou recuarem diante do outro, afirmam, ao contrário, sua necessidade da pluralidade, da existência simultânea de dimensões que pertencem a tempos e espaços múltiplos", escreveu Mª do Carmo Nino, no artigo “Aspectos Poéticos de um Processo”, sobre o trabalho de Alice Vinagre. Conheça algumas obras de Alice Vinagre visitando o espaço "ARTISTAS" do nosso site, ou visitem o site de Alice Vinagre e saiba mais sobre seu trabalho: http://www.alicevinagre.com.br/ Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=36 A Fabio Pena Cal Galeria de Arte leva a arte de Fátima Tosca ao evento comemorativo do início das obras do Horto Bela Vista, mega empreendimento imobiliário da JHSF Incorporadora. No dia 18 de novembro, das 19h às 21h30, no Show Room localizado no Acesso Norte da Av. Antonio Carlos Magalhães, será aberta em evento para convidados a exposição E a Água Conta Histórias, com 22 aquarelas. A exposição fica em cartaz até o dia 06 de dezembro, com visitação gratuita, das 9h 19h. Fátima Tosca foi uma das primeiras artistas da Fabio Pena Cal Galeria de Arte, compondo seu acervo desde 2001. Para Fabio Pena Cal, ela representa muito bem o espírito do Horto Bela Vista, pois tem a natureza (jardins e plantas) como um tema recorrente de seus trabalhos. “Neste sentido é que sua estética casa bem com o diferencial deste empreendimento da JHSF, que busca o cuidado e a valorização do meio ambiente, preservando grande parte da mata nativa”, afirma Fabio Pena Cal, que destaca ainda o refinamento das obras de Fátima Tosca como um elo a mais na ligação do seu trabalho com o público ao qual o Horto Bela Vista é destinado. Ocupando um terreno de 340 mil m2, sendo destes cerca de 130 mil m2 de área verde e jardins, o Horto está sendo desenvolvido para se tornar um dos bairros mais valorizados da cidade. Serão 19 torres residenciais, três torres comerciais, um hotel e apartamentos com serviço de hotelaria, o Shopping Bela Vista, um centro de convenções, um centro médico com hospital-dia e escola, compondo o primeiro empreendimento de uso misto de larga escala de Salvador. O plano urbanístico do Horto Bela Vista é de Pablo Slemenson, profissional responsável por empreendimentos da JHSF que são referência no mercado, tal como o Parque Cidade Jardim, em São Paulo. O escritório Caramelo Arquitetos, de Salvador, assina os projetos dos edifícios e do Shopping Bela Vista. O projeto de interiores e fachadas do Shopping é de David Bastos. Marcelo Faisal desenvolve o paisagismo da área, harmonizando 130 mil m2 de parques e jardins com 15 mil m2 de área verde preservada.     Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=35 Em imagens distorcidas, fotografias em movimento que se atêm sobre detalhes da cidade de Salvador, o fotografo David Glat apresenta no Museu de Arte Moderna da Bahia uma exposição que é um exercício sobre o barroco-contemporâneo, a partir do patrimônio histórico da cidade. Em Pérolas Imperfeitas, que fica em cartaz até o dia 09 de dezembro, na Galeria Subsolo, do MAM, ele apresenta 10 fotografias em grandes dimensões, com um olhar diferenciado das referências históricas e arquitetônicas de Salvador. São portais, fortificações, casario, altares e fachadas de igrejas da cidade, retratadas na opulência de suas formas, com efeitos ilusionistas e predomínio das curvas e do retorcido. Carioca de nascimento, desde 1976 David Glat reside em Salvador, onde se dedica à fotografia e ao design gráfico. Como fotógrafo publicitário, recebeu diversos prêmios nacionais e internacionais. Em Pérolas Imperfeitas David Glat assume um caráter de desconstrução do espaço institucionalizado, exercitando o barroco através de uma linguagem visual compatível com as necessidades estéticas da atualidade. Pérolas Imperfeitas - MAM Bahia Até o dia 09 de dezembro Visitação de terça a domingo, das 10h às 18h. Sábados 12h às 21h Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=34 Com a aquisição de nove novas obras para seu acervo permanente, o Instituto Inhotim, localizado em Brumadinho, a 60 quilômetros de belo Horizonte, dá mais uma prova do porque é um dos principais espaços de arte contemporânea do país. O Inhotim possui um importante acervo de artistas contemporâneos brasileiros e internacionais e uma extensa coleção botânica. Com a abertura de Nove Novos Destinos, que se somam aos demais destinos já existentes no local, o Inhotim apresenta um dos maiores acervos de arte contemporânea a céu aberto do mundo. As novas obras são dos artistas Chris Burden, Matthew Barney, Doug Aitken, Valeska Soares, Rivane Neuenschwander, Jorge Macchi, Janet Cardiff & George Bures Miler, Edgard de Sousa e Yayoi Kusama, que reforçam o diálogo entre obra, arquitetura e paisagismo. O representativo acervo de arte contemporânea de Inhotim vem sendo formado desde meados da década de 1980, e tem como foco obras criadas a partir dos anos 1960. Possui pinturas, esculturas, desenhos, fotografias, vídeos e instalações de artistas brasileiros e internacionais.  Endereço: Rua B, 20, Inhotim, Brumadinho, MG, Brasil  35460-000 +55 31 3227 0001  info@inhotim.org.br Visitação: Horário: Quinta e Sexta 9:30 às 16:30. Aos Sábados, Domingos e feriados de 9:30 às 17:30 Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=33 É de Andy Warhol a célebre frase "Bom negócio é a melhor arte". Com base nesta provocação, até o dia 17 de janeiro a Tate Modern, em Londres, reúne artistas da década de 1980 que abraçaram o comércio e os meios de comunicação de massa para construir suas próprias \'marcas\'. A exposição Pop Life: Art in a Material World apresenta o trabalho e as idéias de Andy Warhol, Damien Hirst, Jeff Koons, Takashi Murakami, entre outros artistas que compartilhavam, ou ainda compartilham, desta mesma visão. Na exposição, o público pode ver como a lição de Andy Warhol reflete-se no trabalho de artistas que, ao invés de simplesmente representar ou comentar a cultura de massas, trabalham justamente com a máquina da auto-promoção e do mercado. Se valendo do poder da cultura das celebridades, esses artistas vão além do mundo das artes e exploram iniciativas que atraem público dentro e fora das galerias, como relação que estabelecem com grandes marcas, como Takashi Murakami e sua relação com a Louis Vuitton. A intersecção entre comércio e cultura é tradicionalmente vista como uma traição dos valores associados à arte moderna. Com Pop Life: Art in a Material World, a Tate Modern problematiza esta questão e nos apresenta, numa mega exposição de arte contemporânea, destinada a ser um grande um grande sucesso e não apenas de público, mas por envolver colecionadores, artistas e comerciantes, em torno de uma evento que trata de maneira criativa da relação entre arte e mercado. Pop Life: Art in a Material World Tate Modern (Londres) Até 17 de janeiro de 2010       Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=32 No mês de novembro, na Galeria Amparo Sessenta, em Recife (PE), o público pode conferir a exposição Retratos e Auto-Retratos, do pernambucano José Paulo. Com um olhar sensível e  criativo sobre coisas banais do cotidiano, o artista consegue extrair de cartelas de medicamentos os elementos estéticos para suas obras. José Paulo é um dos artistas representados pela Fabio Pena Cal Galeria de Arte, em Salvador.  Em março deste ano, foi um dos pernambucanos que, ao lado do ícone da arte contemporânea brasileira, Paulo Bruscky, participou da Bienal de Havana. Neste último trabalho, Retratos e Auto-Retratos, ele fez fotos impressas em papel fotográfico adesivado em chapa de alumínio, que variam de 63 x 23 cm e 1 x 2,20 metros, de cartelas de remédios. Algumas delas, facilmente identificáveis como tais, outras, nem tanto. Em alguns momentos, o artista propõe um jogo de formas, texturas e contrastes que remetem às técnicas da pintura. O trabalho partiu de uma pesquisa realizada por José Paulo com pessoas conhecidas. Entre as que foram pesquisadas e doaram seus medicamentos para as fotos (por isso, a explicação de algumas cartelas amassadas), estão o próprio José Paulo e seu irmão. Ao lado de cada obra, de cada “medicamento” tem a família que o usa. O artista registrou desde remédios tarjas pretas, até medicamentos para gripe, sem identificá-los. Os 29 trabalhos expostos ficaram prontos depois de um ano de pesquisa e produção. Conheça mais sobre o trabalho de José Paulo na seção ARTISTAS do site. SERVIÇO Exposição: “Retratos e Auto-Retratos”, de José Paulo Visitação: até 14 de novembro, de terça a sexta, das 9h às 13h; e das 14h às 18h Onde: Amparo Sessenta - Avenida Domingos Ferreira, 92 A, Pina. Recife – Pernambuco   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=31 Alice Vinagre mistura memórias e poesia às cores de suas tintas. A artista visual paraibana radicada em Pernambuco constrói com sua pintura um universo poético e imagético, a partir de suas experiências pessoais. Alice é uma das artistas representadas em Salvador pela Fabio Penal Galeria de Arte. Em sua exposição individual mais recente, em Alagoas, Alice Vinagre apresentou trabalhos que uniam palavras, desenhos e a característica marcante da artista: a sobreposição de elementos e cores. “Anotações sobre Pintura” teve curadoria de Marcelo Silveira e apresentação de Moacyr dos Anjos. A artista nasceu em João Pessoa, Paraíba, em 1950. É graduada em Pintura pela Escola de Belas Artes da UFRJ em 1984. “Essa relação ambígua entre figura e fundo, abstração e figuração, desenho e pintura, obra e suporte, transforma o trabalho desta artista em um campo pouco afeito às certezas ou afirmações peremptórias. Tudo se passa como se Alice preferisse evocar a alternância de passagens à meia voz entre esses estados, em que nenhum deles quer ceder lugar em detrimento do seu oposto e, antes de desejarem apagar-se ou recuarem diante do outro, afirmam, ao contrário, sua necessidade da pluralidade, da existência simultânea de dimensões que pertencem a tempos e espaços múltiplos", escreveu Mª do Carmo Nino, no artigo “Aspectos Poéticos de um Processo”, sobre o trabalho de Alice Vinagre. Conheça algumas obras de Alice Vinagre visitando o espaço "ARTISTAS" do nosso site, ou visitem o site de Alice Vinagre e saiba mais sobre seu trabalho: http://www.alicevinagre.com.br/ Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=28 A exposição Auguste Rodin - Homem e Gênio chega a Salvador apresentando 62 obras originais do grande escultor francês. Esta é a primeira vez que elas saem do Museu Rodin, em Paris (França). As obras ficarão por três anos no Palacete das Artes - Rodin Bahia, em regime de comodato inédito no mundo. Esculturas como "O Beijo", "O Pensador" e outras que compõem "A Porta do Inferno" estarão na exposição, que será aberta no dia 26 de outubro, em um evento para convidados. As obras de Rodin foram cedidas em comodato de três anos pelo governo francês para a realização da exposição e devem voltar a Paris, podendo ser feito um novo contrato com outras coleções do autor. As peças expostas são originais registradas no inventário das coleções públicas francesas, sendo consideradas propriedades inalienáveis do Estado Francês. As 62 peças foram esculpidas em gesso, em uma tradução da técnica de Rodin, que costumava trabalhar com este material, deixando que seus assistentes fundissem o metal para finalização e reprodução de suas obras. Para Rodin, somente o gesso era capaz de moldar sobre o que já fora criado, o metal ou o mármore impediam as torções e contornos necessários a sua representação artística. Entre os destaques da exposição, estão obras como “O Beijo”, “O Pensador”, “O Escultor e Sua Musa”, “Eva”, “A Defesa”, “O Desespero”, “Terceira Maquete para a Porta do Inferno”, “Glaucus”, “O Sono”, “A Meditação”, “A Eclesiástica” e a “Danaide”. Diversas medidas de segurança foram tomadas para garantir a integridade das obras. Para a visitação (que é gratuita e acontece de terça-feira a domingo, das 10h às 18h) solicita-se que os convidados não usem saltos. O piso do Palacete, datado do século XIX, foi totalmente recuperado para a abertura da exposição. O Projeto Rodin é uma iniciativa do governo do Estado da Bahia, através da Secretaria de Cultura e do Instituto do Patrimônio Artístico e Cultural do Estado, e conta com o apoio do Governo Federal do Brasil, da República Francesa e do Museu Rodin Paris. Para mais informações, acessem http://palacetedasartesrodinbahia.blogspot.com/ SERVIÇO Auguste Rodin - Homem e Gênio Abertura para convidados: 26 de outubro, às 19h Local: Palacete das Artes – Rodin Bahia (Rua da Graça, 284 – Salvador) Visitação: terça-feira a domingo, das 10h às 18h Entrada gratuita   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=27 O Espaço Galeria de Arte, coordenado pelo terceiro ano consecutivo por Fabio Pena Cal, mostra ao público da 15ª edição da Casa Cor, em Salvador, a exposição individual de Braz Marinho, Orizontimaginario. Nela, o artista pernambucano apresenta um recorte de uma de suas principais obras, Processo Construtivo, reciclando o próprio conceito de seu trabalho. Uma idéia que segue o mesmo espírito da Casa Cor, que este ano aposta em projetos sustentáveis e materiais reciclados. Processo Construtivo foi montado em 2000. Agora, na versão da Casa Cor Bahia, o público vai poder conferir uma nova versão deste trabalho. “Temos obras de Braz aqui na Galeria que foram desconstruídas para o Espaço da Casa Cor inclusive em seu tamanho, como Celerator, que originalmente possui 4m. Ele foi mexendo nas cores, nas dimensões, reciclando conceitualmente seu próprio trabalho”, afirma Fabio Pena Cal, presente ainda em 16 dos 37 espaços do evento, incluindo a Casa da Árvore, de Rogério Menezes, um dos principais destaques desta edição, com obra ícone de José Patrício. Por tudo isso, a Galeria Fábio Pena Cal firma-se como o principal parceiro artístico do evento, que acontece este ano no Espaço Solaire, construído na ladeira da Barra, até o dia 15 de outubro. Para Fábio, a Casa Cor é um evento que se traduz como oportunidade para difundir a arte contemporânea em um mercado específico. “Participar de um evento como esse, que atrai um público de quase 50 mil pessoas, é uma forma de popularizar a arte contemporânea, divulgando o trabalho de grandes artistas”, afirma. O projeto geral desta edição da Casa Cor é assinado pelo arquiteto José Raimundo Marcelino. O paisagístico, por Alex Sá Gomes, homenageando Burle Marx. Em 2008, na edição do Hotel da Bahia, Fabio Pena Cal levou ao Espaço Galeria de Arte uma exposição coletiva de artistas pernambucanos por ele representados. Em 2007, na Associação Atlética, expôs trabalhos de Fátima Tosca e Leonel Matos. Casa Cor 2009 - Espaço Galeria de Arte – Braz Marinho | Até 15 de outubro Espaço Solaire - Ladeira da Barra, 235, Av. Sete de Setembro - Salvador Visitação: das 16h às 22h Ingresso: R$ 25   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=26 A Tate Modern comemora o centenário do Futurismo com uma exposição inovadora. Este movimento de arte foi lançado pelo poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti em 1909, com a publicação do Manifesto do Futurismo, na primeira página do jornal parisiense, Le Figaro. Os futuristas, inspirando-se em elementos do cubismo, criaram um novo estilo, que rompeu com as velhas tradições e expressa o dinamismo, a energia e o movimento da vida moderna. A exposição na Tate Modern, uma das mais importantes galerias de arte contemporânea do mundo, sediada em Londres, apresenta o trabalho de futuristas reconhecidos como Giacomo Balla, Umberto Boccioni e Gino Severini. Por outro lado, explora também os movimentos artísticos que reagiram ao futurismo. Os destaques da exposição incluem obras de Boccioni, Picasso, Braque, Malevitch e Duchamp. Futurismo | Até 20 de setembro Tate Modern - Bankside – Londres - Inglaterra Segunda a quinta das 10h às 18h – Sexta e sábado das 10h às 22h Gratuito Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=25 Até o dia 13 de setembro, os irmãos Campana visitam o MAM de São Paulo com a exposição Jardim de infância: Irmãos Campana visitam o MAM. Reconhecidos internacionalmente por seu trabalho, Fernando e Humberto passaram de designers a curadores, fazendo um recorte pessoal das 5mil peças do acervo do MAM. A leitura dos dois possibilitou uma visão do design nas obras de arte do Museu. Ao todos, estão expostos 60 trabalhos de artistas como Vik Muniz, Geraldo de Barros, Keila Alaver, Farnese de Andrade, Leda Catunda, Chelpa Ferro, Lia Mena Barreto, entre outros. Jardim de Infância: Irmãos Campana visitam o MAM | Até 13 de Setembro MAM – Parque do Ibirapuera – São Paulo Terça a domingo das 10h às 18h Grátis aos domingos.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=24 Salvador ganha um novo espaço expositivo, especialmente dedicado a difundir e valorizar a produção artística em cerâmica. O Museu da Cerâmica Udo Knoff - o primeiro do gênero, em todo o país – foi reaberto em junho pela Diretoria de Museus do Instituto do Patrimônio Histórico e Cultural da Bahia, no Pelourinho. Agora, apresenta duas exposições: Azulejos de Udo e Keramike. Azulejos de Udo apresenta as principais peças do artista e colecionador alemão, após passarem pelo olhar apurado da curadoria realizada pela ceramista e historiadora Caroline Harari. Os azulejos portugueses, espanhóis, franceses, ingleses, holandeses e italianos coletados por Udo Knoff nos casarões da Bahia, entre as décadas de 60 e 70, são expostos ao lado das peças produzidas por alguns dos mais representativos artistas plásticos locais. Obras de Jenner Augusto, Genaro de Carvalho, Sante Scaldaferri, Calasans Neto e Carybé foram criadas no ateliê de Udo e adicionadas a sua coleção. Em Keramike - termo grego de onde se origina a palavra cerâmica -, a manipulação arcaica das matérias primordiais (terra, água, ar e fogo), a massa mole, o cozimento e a combustão sofrem releituras contemporâneas na produção de Adriana Araújo, Áurea Madeira, Cecília Menezes,  Conceição Fernandes, Rosângela Costa e Sarah Hallelujah. Para estas artistas, que transitam também por outros suportes, a escolha da técnica está intrinsecamente ligada ao conteúdo, ao conceito ou ao discurso presente em suas obras. Azulejos de Udo & Keramike | Longa duração Museu da Cerâmica Udo Knoff – Pelourinho – Salvador - Bahia Terça a sexta das 10h às 18h – Sábado, domingo e feriado das 13h às 17h Gratuito   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=23 A obra de Florian Raiss, artista carioca representado pela Galeria Fabio Pena Cal desde 2004, passeia pela pintura, pelo desenho e escultura. Com abordagem extremamente contemporânea, Raiss imprime em suas obras uma força e, ao mesmo tempo, delicadeza, nos remetendo tanto ao barroco quanto à arte clássica, mitológica, greco-romana. Em sua série Quadrúpedes, de esculturas em bronze, ele revela um lado mais rústico do ser humano. Sugere o embate civilização versus natureza, grotesco versus sutileza, deixando evidente o lirismo, a fantasia.  “Ao posicionar seus homens e mulheres de quatro, como um animal, ele nos remete ao lado mais selvagem da humanidade. Mas faz isto de maneira sutil, delicada, com sensibilidade, ao dotar suas feições de traços finos e expressões suaves”, disse Fabio Pena Cal, que destaca ainda a forte sensualidade das obras de Raiss, que se dedica à alma humana, à expressão de sentimentos. De 73 a 75, o artista carioca passou pelas academias de Belas Artes de Florença e de Roma, na Itália. Depois, pela Academia de San Carlos, na Universidade Nacional Autônoma do México, onde estudou até 1977. Daí vem sua formação. Participou de diversas mostras individuais e coletivas. Já expôs em Long Beach, nos EUA, na Venezuela, Portugal, Suécia e Alemanha.  “Florian Raiss encontrou uma linguagem contemporânea ao executar uma escultura que se fundamenta nos princípios básicos da modelagem e na fundição em bronze sem se perder nos efeitos provocativos da escultura figurativa do começo do século vinte. Sabiamente desprendeu da modelagem os efeitos tentadores da gestualidade da matéria, para adotar uma feitura macia, transformando a matéria num amalgama de quem tem um prazer quase erótico, delicado, sutil e sensível, um prazer de quem acaricia pacientemente o barro e o transforma no domínio de suas formas lisas e tentadoras, cúmplices de seu desejo.” (trecho de “Um Escultor a Caminho do Humano”, de Emanoel Araujo) “Ao deparar-me então com os desenhos de Florian Raiss, a primeira impressão diante daquele “diário íntimo sensual” – pois é assim que vejo o ato de desenhar, um gesto muito pessoal e sensível, e a mais direta e sincera das linguagens plásticas, foi a de que estava diante de um arquivo “infernal”, pleno de erotismo.” (Trecho de “Volúpia”, de Ricardo Rezende) Mais sobre o artista: www.florianraiss.com.br)   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=22 Eudes Mota é um dos mais representativos artistas pernambucanos da contemporaneidade. Representado em Salvador por Fabio Pena Cal, Eudes recentemente ganhou as páginas do jornal Diário de Pernambuco, com matéria especial sobre sua obra. “Eudes Mota sugere a identificação de nossas raízes sócio-antropológicas. Para isso, contribuem também confessionários, portas antigas recuperadas, casas artificiais de pombos, rifas de venda de fogos de festas juninas que encantaram o imaginário infantil. Embasa a arte de Eudes um misto de provocação e tranquilidade, a primeira refletindo um irrequieto processo criativo e a segunda, a forma cavalheiresca com que se relaciona com o mundo”, disse o jornalista Cleofas Reis. Leia matéria na integra, a seguir: A arte de Eudes Mota Por Cleofas Reis (Diário de Pernambuco) É possível não ser familiarizado com a arte plástica contemporânea, mas entendê-la e expressá-la? Penso que a resposta é positiva, conseguindo-se penetrar algo do introspectivo do artista. Há os que facilitam esse processo. Eudes Mota faz esse tipo. Com um histórico de mais de 40 anos de carreira, passou por várias fases, o que é comum nesse ofício. Seu dom brotou ainda menino, atraído pelas mulatas e carregadores de Portinari, se sensibilizando com o cubismo de Vicente do Rego Monteiro e a produção geométrica de Mondrian e outros abstracionistas. A Escolinha de Artes, nas Graças, serviu-lhe de laboratório inicial para a combinação infantil mas já indicativa do seu jogo de cores, formas, sombras e luzes. A acomodação desses elementos, porém, não lhe impediu depois manifestação quase heterodoxa à vista dos meios tradicionais de expressividade. Chegando a um de ponto de bifurcação da caminhada, mesmo já laureado com prêmios e destaque de críticos, Eudes Mota decidiu, podemos dizer até ousadamente, enveredar pelo que ele chama de "arte geométrica conceitual contemporânea". Suas últimas exposições e amostras (estas no seu atelier, na Capunga), dizem da sua criação mais do que quaisquer palavras. Entretanto, ele alerta que não se tenha essa arte geométrica conceitual como uma escola, motivo por que arrisco a conceituá-la como um estado de espírito. Imagine-se uma iniciativa de se valer de uma página de anúncios classificados de jornal para se produzir algo provocante. Obter o mesmo resultado com base numa folhinha de calendário, auxiliando-se de inexpressivos códigos de barras ou usando a imagem de um tabuleiro de xadrez. Tudo como uma ponte de ligação do observador e a razão de ser da inventiva artística. A elaboração de Eudes Mota pode nos transportar também a ambientes culturais formadores na nossa nacionalidade, lembrando a obra de Gilberto Freyre, quando nos defrontamos com trabalhos que têm madeira como matéria-prima. Uns, como escumadeiras, sugerem opapel da culinária no relacionamento da casa-grande com a senzala. Já "bandeiras" nos reportam ao componente indígena e até à arte pré-colombiana. Assim, Eudes Mota sugere a identificação de nossas raízes sócio-antropológicas. Para isso, contribuem também confessionários, portas antigas recuperadas, casas artificiais de pombos, rifas de venda de fogos de festas juninas que encantaram o imaginário infantil. Embasa a arte de Eudes um misto de provocação e tranquilidade, a primeira refletindo um irrequieto processo criativo e a segunda, a forma cavalheiresca com que se relaciona com o mundo. Tanto é que a eventualidade de ter imitadores ele encara filosoficamente estóica: "a arte não é monopólio de ninguém, muito dela se firma na experiência de antecessores."   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=20 De 1º de agosto a 21 de setembro, a capital baiana será palco do A Gosto da Fotografia – 5º Festival Nacional, que ocupará os mais importantes espaços culturais da cidade com exposições, palestra, oficinas, exibições de filmes e documentários e feiras de livros. O evento busca contribuir para inserir o Estado no roteiro nacional e internacional das grandes mostras. Em cartaz na Galeria Acbeu e no Goethe Institut - ICBA. Este ano, o festival tem como destaque a inédita parceria com a Pinacoteca do Estado de São Paulo, que cedeu mostras de destacados fotógrafos latino-americanos.  Ao todo, são nove exposições, em cartaz em períodos distintos, que contemplarão o trabalho de 13 conceituados fotógrafos. A lista, que inclui profissionais com os mais diferentes estilos, é formada por German Lorca, Carlos Moreira, Lúcia Guanaes, Lucille Kanzawa, Pablo di Giulio, Roberto Linsker, Hirosuke Kitamura, Ricardo Alcaide, a família Chambi (nome dos mais representativos da fotografia peruana), além do emblemático Pierre Verger, especialista na cultura afro-brasileira. Núcleos Temáticos O A Gosto da Fotografia – 5º Festival Nacional este ano se organiza a partir de três núcleos temáticos: História e Memória, Identidade e Ensaio e suas possíveis derivações na imagem contemporânea. No núcleo Memória estarão dialogando as obras de dois nomes definitivos para a compreensão da fotografia no Brasil: German Lorca e Carlos Moreira (que tiveram suas obras expostas no MAM Bahia, em 2008). Numa série produzida entre 1950 e 2000, poderão ser observadas as mudanças de um país em seus usos e costumes, na poética do gestual e na vida cotidiana em séries (cor/ preto e branco). Completando esse diálogo, a exposição "Retratos e Paisagens de um Século: quatro gerações Chambi", que reúne o grande fotógrafo peruano Martin Chambi (1891-1973), ao lado da sua filha Julia Chambi (1920-2003), do neto Teo Allain Chambi e do bisneto Andrés Fernando Allain. O núcleo Identidade acentua ainda mais as questões contidas nos retratos a partir das imagens da fotógrafa brasileira radicada em Paris, Lucia Guanaes, na série Transfigurações, feitas em Salvador e também já apresentadas no MAM. O fotógrafo venezuelano Ricardo Alcaide mostra Azul de Noturno Mar— feita em Londres entre 2000 e 2004. Esse núcleo se completa com a presença do fotógrafo Pablo di Giulio, que com seus retratos triplos de personagens anônimos. O núcleo Ensaio apresenta Hirosuke Kitamura —japonês radicado na Bahia. Nesta série, a vida cotidiana em Salvador, seus recortes e seus gestos aparecem numa fotografia ora surreal, ora como resultado da busca de uma identidade mais existencialista. Informações no site:/www.agostodafotografia.com.br Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=19 No mês em que a Bahia recebe as exposições do festival nacional A Gosto da Fotografia - principal evento local voltado para esta linguagem artística – a Galeria Fábio Pena Cal comemora as novas aquisições de seu acervo: fotografias de Pierre Verger e Christian Cravo. Em comum entre os dois, a singularidade do olhar de viajante, a delicadeza da expressão em preto e branco, a sensibilidade em captar o homem comum e o respeito pelas manifestações religiosas. Pierre Verger foi um etnólogo, um viajante fascinado por países distantes e diferentes culturas. Registrou, além da Bahia, no Brasil, a África, Europa, Ásia o Japão, a América Latina, sempre com um apurado senso estético e um rigor antropológico. “Para mim, Verger é história. A aquisição de suas obras, através da Fundação Pierre Verger, é fruto do desejo de preencher uma lacuna no acervo da Galeria, com trabalhos de um dos mais importantes artistas que já passou por nosso estado, registrando a história de nosso povo, a história da Bahia.” Christian Cravo, por outro lado, é um artista que dialoga com o mercado, inclusive, o internacional. “Ele é um artista jovem, cujo trabalho já tem seu valor artístico reconhecido. Além disso, seu nome já carrega em si uma grife que, agora, está se expandindo para o exterior. Ele mora mais tempo em Nova York do que em Salvador”, conta Fabio Pena Cal. Em suas fotos, Christian apresenta sua visão sobre a religiosidade em diferentes sociedades. Já fotografou manifestações religiosas ligadas à água na Índia, o Círio de Nazaré em Belém do Pará, procissões no interior da Bahia, além de outros eventos na Costa da África em diferentes países do Oriente.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=18 Pelo terceiro ano consecutivo, a Galeria Fábio Pena Cal participa do Espaço Galeria de Arte na Casa Cor. Em 2009, Fabio vai apresentar ao público uma exposição individual do artista pernambucano Braz Marinho, que recentemente esteve na cidade para conferir o espaço e acertar detalhes da montagem. Para Fábio Pena Cal, a Casa Cor é um evento que se traduz como oportunidade para difundir a arte contemporânea em um mercado específico, que é da arquitetura e design de interiores. São cerca de 40 mil visitantes, um público, em sua maioria, sem muita informação ou conhecimento sobre arte. “Participar de um evento como esse é uma estratégia para formar clientes e consumidores e, principalmente, para popularizar o trabalho de grandes artistas”, afirma Fabio. Em 2008, na edição Casa Cor do Hotel da Bahia, Fabio Pena Cal levou ao Espaço Galeria de Arte uma exposição coletiva de artistas pernambucanos por ele representados. Em 2007, na Associação Atlética, expôs trabalhos de Fátima Tosca e Leonel Mattos.   Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=16 A exposição itinerante Legado Sagrado e Retratos Yanomami chega a Salvador depois de percorrer várias cidades brasileiras. Na mostra, que a Caixa Cultural de Salvador exibe até o dia 08 de agosto, os trabalhos do fotógrafo norte-americano Edward S. Curtis e da suíça naturalizada brasileira Claudia Andujar se aproximam e articulam, traçando um paralelo entre a cultura indígena dos Estados Unidos e a do Brasil. Em Legado Sagrado, 60 fotografias apresentam o trabalho do americano EdwardS.Curtis, pioneiro em revelar os costumes dos índios de seu país, no início do século passado. As imagens exibem passagens da vida cotidiana e rituais dos peles-vermelha. Já em Retratos Yanomami, de Claudia Andujar, que dedica décadas de sua vida aos índios Yanomami, 30 imagens retratam a luta do povo indígena brasileiro pela preservação. Sempre entre a razão e a intuição, os cortes, enquadramentos e personagens de Claudia se arredondam para falar de uma incessante busca pelo entendimento e diálogo. Além da temática, Andujar e Curtis tem em comum uma espécie de militância pacífica. Eles representaram estes povos e buscaram, através da fotografia, contribuir para a preservação destas comunidades. A principal diferença entre eles é a estética, que reflete não apenas diferenças de estilos, intenção, mas a própria natureza dos equipamentos empregados. Mais informações, acessem os links: sobre a exposição, sobre o trabalho de Claudia Andujar e sobre Edward S. Curtis. Sobre a exposição, sobre o trabalho de Claudia Andujar, sobre Edward S. Curtis Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=15 A exposição Cuide de Você, uma das mais famosas e polêmicas mostras da artista conceitual francesa Sophie Calle, está em cartaz no galpão do SESC Pompeia, em São Paulo. A exposição, inédita na América Latina, tem como ponto de partida um evento da vida da própria artista, uma carta de rompimento que Calle recebeu de seu ex-namorado, o escritor Grégoire Bouiller. Ela distribuiu a mensagem para outras 107 mulheres – desde celebridades a anônimas – para que cada uma a interpretasse à sua maneira, com sua linguagem. A exposição Cuide de Você (uma referência à frase final da carta), faz parte do calendário oficial do Ano da França no Brasil e ficará em cartaz na capital paulista até 7 de setembro. Em seguida, chega em Salvador, onde ficará exposta no Museu de Arte Moderna da Bahia entre 22 de setembro e 22 de novembro. Entre as mulheres que interpretaram o final do romance de Sophie Calle, considerada por muitos a principal artista contemporânea da França, estão desde a sua mãe, a compositora Laurie Anderson, a DJ Miss Kittin, as atrizes Jeanne Moreau, Victoria Abril e Maria de Medeiros, além de profissionais como linguísta, revisora, sexóloga, juíza, delegada, taróloga, antropóloga, designer, assistente social, criminologista e clarividente. O resultado final do trabalho da artista consiste em um inovador exercício de reflexão, no qual diferentes linguagens, profissões, expressões artísticas e pontos de vista interagem em torno de um tema cotidiano e universal. O diálogo que a mostra estabelece com o público é o grande atrativo da exposição, inclusive, para os não iniciados em arte contemporânea. Mais informações, no site da exposição Cuide de Você. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=14 Até 23 de setembro, Roma acolhe as belas e monumentais obras do escultor costa-riquenho, Jiménez Deredia. A Rota da Paz é um projeto que prevê nove grandes complexos de esculturas, expostos desde o Canadá à Terra do Fogo, passando pelos EUA, México, Yucatan, Costa Rica, Colombia, Perú e Chile , em exposição até o dia 13 de setembro, em Roma. No Palácio das Exposições, um dos principais espaços culturais da cidade – que até setembro sedia ainda a impactante exposição Bulgari – Eternidade e História: 125 anos de Jóias Italianas, serão expostos desenhos arquitetônicos, esculturas em miniatura e monumentais obras em bronze que pertencem ao grupo do Genesis. A exposição de Deredia também vai ocupar o Fórum Romano, que pela primeira vez acolhe uma mostra de arte contemporânea, as praças Barberini e São Lorenzo, os arredores do Coliseu, Parque da Musica, o Museu Romano e o Museu Altemps. Nas esculturas de Deredia, a simbologia ligada à esfera descreve tanto a transmutação da matéria, quanto a busca de si mesmo. Em seu trabalho, a esfera é um elemento que aponta para uma concepção unificada e abrangente da vida e do universo, e que remete a valores ancestrais. Deredia reiterpreta um símbolo presente na cultura antiga pré-colombiana, apresentando esculturas em pedra, criações dos antigos índios Boruca, de 2000 anos atrás. Desta forma, ele cria uma ligação entre o elemento esférico de cada um destes nove complexos de esculturas e as principais costelações das cidades que fazem parte da Rota da Paz, fazendo, inclusive,  uma conexão das esferas com estrelas. Para conhecer mais sobre a obra de Deredia, visite o site do escultor. Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=13 É ou não um Michelangelo? Essa é a questão em estudo por especialistas em arte depois que o governo italiano investiu 3,3 milhões de euros na compra de um pequeno crucifixo de madeira atribuído ao gênio da Renascença, no ano passado. Obras de Michelangelo não costumam ser colocadas à venda, mas já houve desenhos que obtiveram valores de até US$ 20 milhões em leilão. Em comparação, o preço do crucifixo, vendido por Giancarlo Gallino, um negociante de antiguidades de Turim, parece uma pechincha. Mas eis a questão. Caso não se trate de um Michelangelo - algo que muitos críticos da aquisição alegam -, o governo pode ter desperdiçado seus minguados recursos na compra de uma obra menor, ainda que atraente, e em meio a uma crise econômica que resultou em corte de mais de um bilhão de euros nas projeções orçamentárias do Ministério da Cultura para os próximos três anos. O que alimentou ainda mais o debate foi o tratamento cerimonioso dado à aquisição. Definido por funcionários do Ministério da Cultura como "embaixador da cultura italiana junto ao mundo", o crucifixo fez sua estréia pública em dezembro durante uma rara visita do Papa Bento 16. Depois, foi colocado em exibição na Câmara dos Deputados, em Roma, onde atraiu 30 mil visitantes, de acordo com a imprensa italiana, antes de se tornar a peça central de uma exposição promovida pela diocese católica de Trapani, na Sicília. De lá, depois de passar por Palermo, o crucifixo chegou ao Palácio Sforzesco, em Milão, onde está exposto ao lado da Pietá Rondanini, na qual Michelangelo estava trabalhando ao morrer, em 1564. Existe uma "estratégia política por trás da operação", disse Tomaso Montanari, professor de história da arte na Universidade de Nápoles e autor de diversos editorais em jornais e revistas especializadas nos quais critica a maneira "exagerada e incomum" pela qual a delicada escultura entalhada de 40cm de altura foi alardeada em toda a Itália. A peça não inclui a cruz contra a qual o corpo de um Cristo jovem e esbelto supostamente se apoiaria. Montanari é apenas um entre os diversos especialistas em arte de todo o país que protestaram contra as ações do ministério e divulgaram uma carta aberta contra o "uso propagandístico" da escultura pelo governo. "Para nós, a história parecia pouco mais que uma operação de marketing cujo ojetivo é demonstrar ao país que o Ministério da Cultura existe", disse Maurizia Migliorini, professora da Universidade de Gênova que ajudou a redigir a carta. "Mas enquanto isso o patrimônio cultural do país está em urgente necessidade de reparo, o pessoal do ministério ganha mal e as verbas são escassas. O gasto foi alto para uma peça de atribuição dúbia. Talvez tivesse sido melhor gastar esse dinheiro na restauração de alguma coisa ou para manter aberto um museu que enfrenta dificuldades." Os promotores do Serviço Nacional de Auditoria italiano estão estudando a aquisição a fim de determinar se o Estado pagou demais, e especialistas em arte da Renascença serão consultados para determinar se a peça é ou não um Michelangelo. Muitos já se pronunciaram. "A atribuição desonra Michelangelo e a história de Florença no século 15, onde existia ao menos uma dúzia de artesãos capazes de produzir um crucifixo da mesma qualidade", diz Francesco Caglioti, especialista em escultura renascentista, que acredita que o crucifixo seja um produto típico de um desses ateliês, e que valha cerca de 100 mil euros. "Infelizmente meus colegas se esqueceram disso, e sempre que surge algo de belo o atribuem a um nome famoso. Parece que tudo que foi feito na Florença do Renascimento pode ser atribuído a 10 pessoas de mil mãos." Quando o marchand Gallino ofereceu o crucifixo para exposição na Casa Buonarroti, o museu florentino dedicado a Michelangelo, há alguns anos, o conselho recusou a peça. Luciano Berti, então presidente da fundação que administra o museu, "considerou que era uma bela peça, mas não de Michelangelo", disse Pina Ragioneri, hoje diretora da instituição. Não existem documentos que vinculem o crucifixo a Michelangelo, e os biógrafos contemporâneos do artista, Ascanio Condivi e Giorgio Vasari, não mencionam que tenha produzido trabalhos de pequena escala em madeira. Os defensores da atribuição, entre eles Giancarlo Gentilini, especialista em arte florentina, Cristina Acidini Luchinat, superintendente dos museus estatais de Florença, e Antonio Paolucci, diretor dos museus do Vaticano, acreditam que o crucifixo tenha sido produzido por volta de 1495, quando Michelangelo tinha cerca de 20 anos, e apontam para sua semelhança com outros trabalhos da era. A execução demonstra domínio firme da anatomia humana. Vasari, que escreveu uma biografia de Michelangelo no século 16, conta que o artista "muitas vezes estudava cadáveres para descobrir os segredos da anatomia". "Para sobreviver, um jovem artista teria de produzir trabalhos desse tipo", diz Gentilini. "Não se pode associar Michelangelo apenas a obras-primas." FONTE: Portal Terra Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=12 A mostra do artista plástico e fotógrafo Vik Muniz chega ao Masp (Museu de Arte de São Paulo) na próxima sexta-feira. Ao todo, a retrospectiva da carreira possui 131 obras - compostas por 200 imagens - de trabalhos realizados a partir de técnicas variadas e materiais quase sempre inusitados, como como a Mona Lisa feita de pasta de amendoim ou o retrato de Elizabeth Taylor montado a partir de centenas de pequenos diamantes. » Veja fotos de algumas obras de arte de Vik Muniz A arte de Vik possibilita várias leituras e compreensões, desde a interpretação de imagens até as sofisticadas referências estéticas, teóricas e intelectuais que a sustentam. "Procuro fazer um trabalho que agrade de uma criança como minha filha a um graduado de Harvard", afirma Vik. As fotografias terão o suporte de três vídeos produzidos por um colaborador de Muniz, o fotógrafo Fabio Ghivelder. O recurso ajuda o visitante a entender como é a construção das obras de Muniz, como se fosse uma espécie de making of. Uma das telas que vão exibir esses vídeos ficará no chão. A idéia é que os espectadores tenham a real sensação que o fotógrafo teve ao congelar imagens da série Pictures of Garbage (Imagens do Lixo, em uma tradução livre). "Minha intenção inicial é conseguir uma reação física do espectador, atraí-lo, cativá-lo. A partir do momento em que consigo isso, posso comunicar a informação que quero passar. Meu sonho é mudar a forma elitista com a qual a arte é encarada. Não acredito na separação entre o popular e o inteligente, como se fossem coisas antagônicas", completou o artista. Serviço: Exposição 'Vik' Retrospectiva com 131 obras do artista plástico Vik Muniz Local: Museu de Arte de São Paulo - MASP Endereço: Av. Paulista, 1578 Telefone: (11) 3251 5644 Classificação etária: livre Estacionamento pago no local Acesso a deficientes Exposição: de 24 de abril a 12 de julho Horário de visitação: terça a domingo e feriados, das 11h às 18h; às quintas, das 11h às 20h. Ingresso: Inteira - R$ 15,00; Estudantes - R$ 7,00 Menores de 10 anos e maiores de 60 anos - Gratuito Às terças-feiras a entrada é gratuita FONTE: Portal TERRA Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT http://fabiopenacalgaleria.com.br/portal/galeria/noticia/noticia.php?codigo=11 As pinturas de Antonio Peticov estão em exibição na exposição A Contemporaneidade de uma Tradição no Artestudio Mauro Chaves em Pinheiros, zona oeste de São Paulo. No total, são 39 trabalhos em acrílico sobre tela produzidos sobretudo entre os anos de 2008 e 2009. A mostra vai até o dia 23 de maio e a entrada é gratuita. » Veja as fotos das obras de Antonio Peticov As primeiras expressões artísticas da carreira de Peticov, nos anos 60, mostravam que o artista tenderia para o construtivismo, com uma pintura baseada na forte conotação geométrica. Depois que se muda para a Europa, no início da década de 1970, é que sua obra toma posição e pende para o "realismo mágico". Quase metade dos trabalhos de Peticov da mostra tem como foco a pintura geométrica - segundo ele, uma tendência do trabalho da maioria dos artistas brasileiros e, sobretudo, os paulistas. Apaixonado pela matemática, o artista deixa explícito seu interesse por formulações exatas que determinam universos abstratos e as relações com a natureza. Serviço: Local: Artestudio Mauro Chaves - Rua Mourato Coelho 941, Vila Madalena Ingresso - entrada gratuita Horário - Segunda à sexta das 10h às 20h Contato - 3031-1811/3814-4481 Quando - até 23 de maio FONTE: Portal TERRA - Arte e Cultura Sat, 07 Sep 2002 09:42:31 GMT